La Quinta Disminuida

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“Sé que voy a morir un día, pero también sé que la música sobrevivirá” dijo Antonio Carlos Jobim, poco antes de su muerte. El 8 de diciembre de 1994 un infarto fulminante terminaría con la vida del George Gershwin brasileño, una vida alumbrada por las verdades sencillas que acumuló a lo largo de su caminar.

Dedicó sus últimos años a luchar por la defensa de la naturaleza y la integridad de su país: “Destruir la naturaleza y oprimir a la mujer son una constante en la vida de los hombres. El país que me inspiró ya no existe, tenía paz, amor, chicas lindas y ahora, en cambio, se preocupa por tener la bomba atómica” El sofisticado autor de la compleja simplicidad de La Garota de Ipanema se convirtió en un filósofo profundo, sin perder sencillez. “La vida es buena, es el hombre el que acaba por complicarla”.

Sin duda, su música sobrevivió y lo hizo más allá de sus fronteras, convirtiéndose en una influencia fundamental para cualquier músico.

En la primera parte del programa homenajeamos al maestro a través de interpretaciones de sus composiciones a cargo de músicos vinculados al mundo del jazz; en la segunda parte continuamos con el legado de la música del Brasil, con composiciones de músicos de una generación posterior a la de Tom, como Milton, Caetano, Djavan y otros.

1. Desafinado – Chick Corea/Eddie Gomez/Airto Moreira
2. Triste – Joe Henderson
3. No More Blues – Ron Carter
4. Photograph – Ella Fitzgerald
5. Double Rainbow – Sarah Vaughan
6. The Girl From Ipanema – Nat King Cole
7. How Insensitive – Tony Bennett
8. Meditation – Joe Pass
9. Wave – Joanne Brackeen
10. One Note Samba – The Modern Jazz Quartet
11. Quiet Nights of Quiet Stars – Oscar Peterson
12. Outubro – Paul Desmond
13. The Island – Billy Childs
14. Upside Down – Cal Tjader & Carmen McRae
15. Dom De Iludir – Stefano Bollani
16. Flora – Joanne Brackeen
17. Loro – Esperanza Spalding
18. O Que Sera – Brad Mehldau

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En la iconografía musical de principios de los años 50, el jazz de Charlie Parker y Dizzy Gillespie era equivalente al átomo, ya que contenía una enorme cantidad de potencia comprimida en un envase pequeño. Y como el átomo, la rotura o la fisión del Bebop, llevada a cabo por los músicos de jazz de los 50, liberó un inesperado torrente de energía. Esa energía generó una explosión de creatividad y excelencia artística que eclipsa a todas las otras de la historia del jazz; una era dorada en la que los herederos del Bebop produjeron colectivamente una asombrosa variedad de música. Los 50 vieron crecer y ocupar el candelero a docenas de músicos importantes que incluían a Miles Davis y Chet Baker, John Coltrane y Sonny Rollins, Dave Brubeck y Bill Evans, Jimmy Smith y Horace Silver, Art Blakey y Max Roach, Gerry Mulligan y Stan Getz, que cuando exploraron y expandieron el material que contenía esa partícula llamada Bebop, las implicaciones del lenguaje se hicieron evidentes y concretas. Resulto que el diminuto átomo  contenía partículas aún más pequeñas, cada una con características distintas, el Cool y el Hard Bop.

El lenguaje conocido como Hard Bop, se parecía bastante al Bebop, solo que visto desde una perspectiva nueva en la que los músicos mantuvieron la esencia de la lengua materna, pero calmaron los ritmos más frenéticos y le devolvieron a la música una emotividad terrena, característica que se les había escapado a los boopers en su búsqueda de reconocimiento como “artistas” más que como “animadores”. El Hard Bop enfatizó el ritmo, buscando mayor intensidad sonora, con un aporte de blues con texturas más oscuras y líneas improvisadas cortas. En cambio el Cool, rompió con los tempos acelerados, los estallidos de intensidad, y las demostraciones de virtuosismo llegaron a su fin, pero sobre todo, y más allá de características musicales, el Cool, suave, sensual y aterciopelado, expresó una pose de aparente indiferencia que fue muy bien recibida por los adolescentes y adultos jóvenes de los años 50. En vez de extraversión, el Cool exhibió introspección, donde los músicos de esta escuela defendían el valor de la contención, manteniendo una ligera distancia entre sí mismos y las emociones que yacían debajo de la música. En términos específicos, prefirieron una interacción cerebral entre los instrumentos melódicos, en la que la sección rítmica no abunda con acentos incendiarios que empleaban los bateristas del Hard Bop. En la escuela Cool, los músicos estaban a favor de tonos planos y asordinados, prácticamente sin utilizar el vibrato.

Esta sesión es una especie de mousse de chocolate y vainilla, preparado con raciones similares de Cool y Hard que les aseguro que no les producirá ningún empalagamiento.

1. Boplicity – Miles Davis
2. Take Off – Miles Davis
3. Wow – Lennie Tristano, Lee Konitz, Warne Marsh
4. Blues Walk – Clifford Brown, Max Roach
5. My Funny Valentine – Gerry Mulligan Quartet c/ Chet Baker
6. St. Thomas – Sonny Rollins
7. Lullaby of Birdland – George Shearing
8. Abdulah – Elmo Hope
9. Take Five – Dave Brubeck
10. The Preacher – Horace Silver & The Jazz Messengers
11. Let’s Gets Lost – Chet Baker
12. Limehouse Blues – Cannoball Adderley & John Coltrane
13. Django – The Modern Jazz Quartet
14. Long Green  – Donald Byrd
15. Stella By Starlight – Stan Getz
16. Heavy Dipper – Lee Morgan
17. Walkin’ Shoes – Art Pepper
18. Moanin – Art Blakey & The Jazz Messengers

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Existe una vieja receta siciliana que consiste en cocinar durante horas, en una olla con aceite, tomates con perejil y ajo. Cuando llega el momento, los tomates se tiran y el resto se mezcla con los fideos. Lo que se echa sobre la pasta es lo que queda en el fondo de la fuente. Los standards, en el jazz son como esos tomates: lo que sirve es lo que queda una vez que se los descarta. No habría jazz sin ellos, pero el jazz es, precisamente, lo que comienza una vez que el standard termina. Es decir: “Night and Day” o “All of You” son esa base imprescindible sobre la que Miles Davis, Gerry Mulligan o Keith Jarrett construirán su obra. Y esa obra –el jazz– será aquello que, a partir de “Night and Day” o “All of You”, ya no es ninguna de esas canciones, sino algo nuevo, propio y posiblemente irrepetible.

¿Qué es lo que hace que grabación tras grabación los músicos se enfrenten siempre a las mismas piezas que han sido tocadas miles de veces y logren que suenen diferentes cada vez? Los grandes maestros del jazz son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente. El segundo quinteto de Miles Davis y el trío de Bill Evans son apenas dos ejemplos de ello. Un standard es un código mágico, una pieza que resiste el paso del tiempo y que permite un diálogo entre músicos que pueden no haberse visto nunca antes y menos aún haber conversado o ensayado para encarar un standard, una melodía que es el punto de inicio para una posterior creación.

Así como un mismo manjar preparado por distintas manos tiene su propio sabor, los standards intepretados por diferentes artistas adquieren cualidades que los distinguen. Cada pieza tiene una receta básica y para cada una intervendrá la sazón propia. En este banquete tendremos por ejemplo la chispa de Armstrong,  la poesía de Evans, el éxtasis de Jarret, el gélido sonido de la trompeta de Chet y los colores vocales de crooners como Sinatra y Bennett. Ellos, junto a varios otros, darán a los temas no solamente su sabor, color y textura personales, sino también su carácter, su estado de ánimo y, finalmente, su forma de vivir y sentir.

Aquí los tienen, disfruten algunos standards de Cole Porter, Victor Young y Hoagy Carmichael:

• Billie Holiday, Django Reinhardt, Stephane Grappelli y Frank Sinatra en Night And Day
• Tony Bennett, Miles Davis y John Coltrane, The Modern Jazz Quartet, Ray Brown en All Of You
• Chet Baker, The Manhattan Project y Chick Corea en Stella By Starlight
• Carmen McRae, Bill Evans y John McLaughlin en My Foolish Heart
• Ella y Louis ,  Parker con la orquesta de Woody Herman, Michael Brecker y James Taylor en The Nearness Of You
• Ray Charles, Wes Montgomery y Charles Lloyd en Georgia On My Mind

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El mundo de la música clásica no tiene porque ser antagónico respecto de otras dimensiones musicales, y el jazz en particular parece serle cercano en más de un aspecto; sobre todo a partir de la aparición de un jazz que resulta notoriamente academicista y que podría denominarse de élite, aunque ante ello merecería recordar que una parte importante de las obras que componen el repertorio clásico fueron en su origen piezas de carácter absolutamente popular. Sin embargo, es también necesario reconocer una diferencia fundamental entre ambos universos musicales, que de alguna manera marca límites hasta cierto punto irreconciliables y claras fronteras. Esta diferencia radica en el hecho de que allí donde el ideal de la música clásica reside en que el intérprete ejecute la obra en cuestión lo más fielmente posible respecto de su partitura original, el jazz se deleita en cambio incorporando variaciones de todo tipo, al punto de hacer de esta característica su perfil creativo más fuerte. Esta cualidad del mundo del jazz es la que da origen a los llamados standards, composiciones que la generalidad de los intérpretes conoce de memoria y que son ejecutados una y otra y otra vez, aunque siempre de un modo diverso, al punto de que resulte difícil hallar dos interpretaciones verdaderamente similares de un mismo standard, incluso en el supuesto de haber sido ejecutadas por un mismo músico. Por otra parte, es por todos bien conocido que el padre de la música occidental, Johann Sebastian Bach  fue el primer gran improvisador de la música. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto y su máximo exponente. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal.

La seducción que ejercen las obras de Bach en los músicos y en los oyentes de jazz no es caprichosa y tiene varias explicaciones. La más superficial, y también la menos convincente, es la exhibición de virtuosismo que demanda su ejecución. Pero, por otro lado, no es menos cierto que esa música parece la menos propicia para la improvisación. Aunque la improvisación colectiva del jazz temprano de Nueva Orleans era eminentemente polifónica, es evidente que el contrapunto imitativo (en el que las distintas voces repiten los mismos motivos melódicos a la manera de un canon), típico de algunas de las fugas de Bach, resulta difícilmente conciliable con la autonomía necesaria para manipular a discreción una melodía. El pianista ciego Lenie Tristano, que había recibido una formación clásica, creyó encontrar una relación de consanguinidad entre Bach y el jazz que procedía de su fascinación por la linealidad y los contrapuntos rítmicos. Su tema G Minor Complex, constituye la prueba definitiva del modo en que Tristano revisó productivamente la herencia de El clave bien temperado. Más o menos por la misma época, otro pianista formidable, Bud Powell, plasmó en su disco Bud! una referencia al barroco de la escuela bachiana en el tema Bud on Bach.

En esta sesión de La Quinta dedicamos la primera media hora del programa al barroco, para después abrir el abanico al máximo y viajar jazzeramente a través de obras del repertorio clásico desde Mozart hasta Joaquín Rodrigo, pasando por Chopin, Brahms, Grieg y Satie, entre otros.

1. Spring  (Antonio Vivaldi) – Eddie Daniels
2. Brandenburg Concerto Num. 3 Second Mov.  (J.S. Bach) – Hubert Laws
3. Sinfonia 11 en Sol menor, BWV 797 (J.S. Bach) – Richard Galliano Quartet & Gary Burton
4. Preludio y Fuga  Número 3 en Do Sostenido Mayor  (J.S. Bach) – The Swingle Singers
5. Fugue in A Minor (J.S. Bach) – The Modern Jazz Quartet with Almeida
6. Air On a G String (J.S. Bach) – Jacques Loussier
7. Adagio (Wolfgtang Amadeus Mozart) – Paquito D’Rivera
8. Nocturno en Mi Bemol Mayor (Federico Chopin) – Jaques Loussier
9. Preludio en La Mayor Número 7 (Federico Chopin) – Leszek Mozdzer
10. Hungarian Dance  (Johannes Bramhs) – Oscar Peterson
11. Viva El Toro (Georges Bizet) – Barney Kessel
12. Danse Norvegienne (Edward Grieg) – Django Reinhardt
13. Pavane (Gabriel Faure) – Bill Evans
14. Also Sprach Zarathustra ( Richard Strauss) – Eumir Deodato
15. Preludio  en La Menor (Maurive Ravel) – Charlie Haden
16. Gymnopedie (Erik Satie) – Herbie Mann
17. Gymnopedie Número 1 (Erik Satie) – Hubert Laws
18. Preludio Número 4 Opus 11 (Alexander Scriabin) – Chick Corea
19. Concierto de Aranjuez (Joaquin Rodrigo) – Miles Davis