La Quinta Disminuida

Haz click en play para oir este programa

Si quieres bajar este programa haz ¡click!

Existe una vieja receta siciliana que consiste en cocinar durante horas, en una olla con aceite, tomates con perejil y ajo. Cuando llega el momento, los tomates se tiran y el resto se mezcla con los fideos. Lo que se echa sobre la pasta es lo que queda en el fondo de la fuente. Los standards, en el jazz son como esos tomates: lo que sirve es lo que queda una vez que se los descarta. No habría jazz sin ellos, pero el jazz es, precisamente, lo que comienza una vez que el standard termina. Es decir: “Night and Day” o “All of You” son esa base imprescindible sobre la que Miles Davis, Gerry Mulligan o Keith Jarrett construirán su obra. Y esa obra –el jazz– será aquello que, a partir de “Night and Day” o “All of You”, ya no es ninguna de esas canciones, sino algo nuevo, propio y posiblemente irrepetible.

¿Qué es lo que hace que grabación tras grabación los músicos se enfrenten siempre a las mismas piezas que han sido tocadas miles de veces y logren que suenen diferentes cada vez? Los grandes maestros del jazz son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente. El segundo quinteto de Miles Davis y el trío de Bill Evans son apenas dos ejemplos de ello. Un standard es un código mágico, una pieza que resiste el paso del tiempo y que permite un diálogo entre músicos que pueden no haberse visto nunca antes y menos aún haber conversado o ensayado para encarar un standard, una melodía que es el punto de inicio para una posterior creación.

Así como un mismo manjar preparado por distintas manos tiene su propio sabor, los standards intepretados por diferentes artistas adquieren cualidades que los distinguen. Cada pieza tiene una receta básica y para cada una intervendrá la sazón propia. En este banquete tendremos por ejemplo la chispa de Armstrong,  la poesía de Evans, el éxtasis de Jarret, el gélido sonido de la trompeta de Chet y los colores vocales de crooners como Sinatra y Bennett. Ellos, junto a varios otros, darán a los temas no solamente su sabor, color y textura personales, sino también su carácter, su estado de ánimo y, finalmente, su forma de vivir y sentir.

Aquí los tienen, disfruten algunos standards de Cole Porter, Victor Young y Hoagy Carmichael:

• Billie Holiday, Django Reinhardt, Stephane Grappelli y Frank Sinatra en Night And Day
• Tony Bennett, Miles Davis y John Coltrane, The Modern Jazz Quartet, Ray Brown en All Of You
• Chet Baker, The Manhattan Project y Chick Corea en Stella By Starlight
• Carmen McRae, Bill Evans y John McLaughlin en My Foolish Heart
• Ella y Louis ,  Parker con la orquesta de Woody Herman, Michael Brecker y James Taylor en The Nearness Of You
• Ray Charles, Wes Montgomery y Charles Lloyd en Georgia On My Mind

Haz click en play para oir este programa

Si quieres bajar este programa haz ¡click!

Esta sesión la dedicaré a presentar algunos de los mejores discos producidos el año 2009 según publicaciones especializadas como Jazztimes y Downbeat. Cada una ha elaborado una lista con su propia  selección, basada en diversos criterios y desde La Quinta Disminuida vamos a filtrar esas listas para presentarles lo que considero como lo más destacable del año. Es así que he seleccionado ocho discos.

Comenzaremos por “Folk Art”, del saxofonista Joe Lovano. Es la primera producción de su nueva agrupación, llamada US Five y quizá uno de los mejores trabajos de Lovano, que además está acompañado por reconocidos músicos de la vanguardia del jazz como  Esperanza Spalding al contrabajo, Otis Brown III y Francisco Mela a la batería y el veterano James Wiedman al piano.

Continuaremos con “Quartet Live”, grabado en vivo en el Yoshi’s Jazz Club, de la ciudad de Oakland, por un grupo de lo más granado de la generación de la fusión: Gary Burton en el vibráfono, Pat Metheny en la guitarra, Steve Swallow en el bajo y Antonio Sánchez en la batería.

El tercer disco seleccionado para nuestra sesión es el de la agrupación “Five piece band”, banda que nació el año 2008, emprendida por John McLaughlin y Chick Corea en compañía del bajista Christian McBride, el baterista Vinnie Colaiuta y el saxofonista Kenny Garrett. Entre muchas de las coincidencias que McLaughlin y Corea tienen a lo largo de su historia podemos mencionar que ambos han sido los abanderados de la fusión liderando grupos emblemáticos que marcaron una  época, el primero con la Mahavishnu Orchestra y el segundo con Return to Forever. La grabación de una colaboración conjunta se hizo esperar, pero finalmente llegó.

“Watts” del baterista Jeff “Tain” Watts es el sexto álbum como líder de este músico y el siguiente elegido entre los mejores del año. Watts, que además es compositor, ha montado un grupo de líderes de jazz de primera línea con el saxofonista Branford Marsalis (en cuya banda ya había participado en 1989), el trompetista Terence Blanchard y el bajista Christian McBride. Éste es uno de sus mejores discos, en el que el swing resuena de principio a fin.

“Yesterdays”, de uno de los grandes maestros del jazz como es Keith Jarrett, que junto a su trío formado por Gary Peacock y Jack DeJohnnette, está escribiendo constantemente la historia del jazz. “Yesterdays” cuenta con nueve temas en los que se incluyen composiciones de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Horace Silver y standards de la talla de “Smoke Gets in Your Eyes” entre otras.

Grabado en Dresden el 2007, “Dresden”, del noruego Jan Garbarek es el sexto álbum de nuestra selección. Este saxofonista, que interpreta indistintamente el tenor y el soprano, es conocido por su afán explorador de amplísimos territorios musicales, lleva 40 años de una muy sólida carrera, habiendo colaborado con artistas como Keith Jarrett, Gary Peacock y Egberto Gismondi, además de otros muchos. Para este lanzamiento Garbarek se ha reunido con Manu Katche en la batería, Rainer Bruninghaus en los teclados y el brasileño Yuri Daniel en el bajo.

El séptimo de los mejores del 2009 es “Compass” de Joshua Redman, un norteamericano de casi 41 años, al que todos recordamos por aquel maravilloso álbum del año 1993 grabado junto a Pat Metheny bajo el título de “Wish”. Para esta grabación se ha lanzado a conformar un grupo distinto y sorprendente a la vez. Es un quinteto sin piano, guitarra ni trompeta y más bien con dos bateristas (Greg Hutchinson y Brian Blade) y dos contrabajistas (Larry Grenadier y Reuben Rogers).

Finalizamos la selección con Kurt Elling, un cantante, compositor y poeta considerado como uno de los mejores vocalistas de jazz de la actualidad. “Dedicated to you” es un homenaje a la maravillosa colaboración del año 1963 entre John Coltrane y Johnny Hartman. Elling  ha sido grabado en  directo en el Lincoln Center de Nueva York. ¡Disfruten!

Los temas elegidos son los siguientes:

1. Powerhouse – Joe Lovano
2. Song For Judi – Joe Lovano
3. Syndrome – Burton,Metheny,Swallow,Sanchez
4. Olhos de Gato – Burton,Metheny,Swallow,Sanchez
5. New Blues, Old Bruise – John McLaughlin & Chick Corea
6. Dingle-Dangle – Jeff “Tain” Watts
7. Owed…  – Jeff “Tain” Watts
8. You’ve Changed – Keith Jarrett
9. Shaw’ nuff – Keith Jarrett
10. Paper Nut – Jan Garbarek Group
11. Faraway – Joshua Redman
12. Un Peu  Fou – Joshua Redman
13. Nancy With The Laughing Face – Kurt Elling
14. Say It – Kurt Elling

Haz click en play para oir este programa

Si quieres bajar este programa haz ¡click!

En el año 1958 Brasil conquistaba por primera vez el título mundial de fútbol, Juscelino Kubitschek proyectaba Brasilia con las aristas y las curvas modernas de Niemeyer y João Gilberto tocaba la guitarra de una manera que nunca antes nadie lo había hecho, diferente al del samba tradicional. Hoy, Gilberto es el único miembro vivo de la santísima trinidad de la Bossa Nova que formaba junto al poeta Vinicius de Moraes y al pianista y compositor Antonio Carlos Jobim. Fue en abril de ese año que el guitarrista entró al estudio para grabar  “Cançao do amor demais” un disco de 78 revoluciones  de la cantante Elizeth Cardoso, donde el primer corte de ese álbum, Chega de Saudade, fue el manantial del genero que se convirtió en poco tiempo en el mejor legado musical del Brasil al mundo entero, y como no podía ser de otra manera, tenía la característica que engrandece al arte, era una música de mezclas. Ningún otro movimiento fue tan revolucionario en la música como la Bossa Nova. Fue realmente la gran apertura para que la música popular brasilera pueda encaminarse por una senda moderna. Criticada por algunos, la Bossa Nova fue considerada como un movimiento elitista, pero dejaría sin fundamento ese punto de vista al traer las músicas de los grandes compositores populares del pasado, presentándolos de una manera nueva con una interpretación muy personal por parte de los músicos, una cadencia más acentuada y una estructura rítmica completamente renovada. Más allá de esto, la imaginación de sus creadores daba margen a una espontaneidad literaria, a una auténtica libertad de creación, que hasta permitía “ser desafinado”.

Un tema fundamental en el surgimiento de este nuevo género musical, fue el huracán cultural que llegó después de la segunda guerra mundial, acarreando consigo una fuerte influencia de la cultura norteamericana sobre todo el mundo occidental. La música de George Gershwin, Cole Porter y Jerome Kern, el Bebop de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con sus acordes disonantes y armonías modulantes, el Cool de Chet Baker y Stan Getz con su aire relajado y frio, serían el complemento perfecto para las interpretaciones intimistas, instrumental simple y lirismo coloquial de Tom, Vinicius y João que ya venían influenciados también por el Bolero mexicano. Como en todo, la mezcla inteligente y sensible, la interculturalidad, el respeto al otro, respetándose a uno mismo, sin complejos, el aceptar lo foráneo con sabiduría y combinarlo con lo propio, son el mejor caldo de cultivo para el nacimiento de constelaciones artísticas que son un orgullo para la humanidad, el jazz, la cueca, el samba, la zamba, el blues, el caluyo, el rock, son  ejemplos que confirman aquello.

El programa de esta sesión incluye  una intensa y aguda charla con Walter Gomes acerca del Festijazz 2008 y La Paz en Bossa.

• Chega de Saudade – Elizeth Cardoso
• Chega de Saudade – Joao Gilberto
• Samba Triste – Stan Getz y Charlie Byrd
• Insensatez – Stan Getz y Luiz Bonfá
• So Danco Samba – Stan Getz y Joao Gilberto
• Garota de Ipanema – Stan Getz, Joao Gilberto, Astrud Gilberto
• Aguas de Marzo – Stan Getz, Joao Gilberto, Miucha
• One Note Samba – Herbie Mann y Tom Jobim
• Change Partners/Girl from Ipanema – Frank  Sinatra y Tom Jobim
• Agua de beber/Sei La – Vinicius,Tom,Toquinho,Miucha
• Regra Tres/Morena Flor – Vinicius,Toquinho
• Eu sei que vou te amar – Vinicius,Toquinho,Creusa
• Samba de uma nota so – David Portillo
• Berimbau – Teresa Morales
• Tulle – John Scofield
• Samba Saravah – Karrin Allyson
• Desafinado – Chick Corea,Eddie Gomez,Airto Moreira

Haz click en play para oir este programa

Si quieres bajar este programa haz ¡click!

De entre todos los cientos de seguidores que el gitano belga, Django Reinhardt, ha tenido en el jazz europeo, es el francés, Biréli Lagrène el que ha producido mayor impacto, y probablemente el discípulo de Django, más capacitado para seguir la estela del extraordinario “dedos de oro”, como se conocía a Django Reinhardt. Nacido en una comunidad de músicos gitanos, sorprendió a todos con un talento precoz que le permitía reproducir, nota por nota, todos los temas de su admirado e inspirador Django. Tras esta fase de aprendizaje por emulación, Biréli Lagrène fue empapándose del sonido de guitarristas como Charlie Christian, Wes Montgomery y George Benson. Vino al mundo un 4 de septiembre de 1966, en Saverne  una población situada en la orilla del Zorn, al oeste de Estrasburgo, en Alsacia. Su padre era un guitarrista gitano que adoraba la música de Django Reinhart y Stephane Grappelli, con esa influencia Biréli a los cuatro años comenzó a tocar la guitarra acústica junto a su hermano, en todos los ambientes parisinos donde le daban una oportunidad. A los trece años entro por primera vez al estudio de grabación, donde registro una placa discográfica para el sello Antilles, que sorprendió a todo el mundo, no solamente por su edad sino por la madurez con la que encaraba temas del repertorio de Django como Standards del jazz.

A pesar de dominar la guitarra acústica y la técnica gitana de rasgueo, no pudo evitar ser seducido por el sonido de Jimi Hendrix, comenzando a experimentar las diferentes técnicas en la guitarra eléctrica. A los 18 años tenía un dominio completo tanto de la guitarra acústica como de la eléctrica, y día a día perfeccionaba su estilo, practicando constantemente escalas, arpegios, modos, acordes y todo cuanto le fuera útil para poder expresarse a través de su instrumento. Pero a los 19 años un evento, más bien un encuentro, fue definitivo para consolidar todos sus conceptos, conoció a Jaco Pastorius, con quien realizó giras por todo Europa, y a los 20 años grabo junto a Jaco el disco Stutgartt Aria, en el cual exploraba todo el repertorio del bajista.

En esta sesión La Quinta Disminuida viaja a través de la discografía de este guitarrista Alsaciano, que con 43 años tiene una producción amplia en todos los estilos del jazz, alrededor de una treintena de álbumes muestran la personalidad de este discípulo de Django.

La lista de temas que podrás escuchar en el programa es la siguiente:

1. Douce Ambiance
2. Black Market
3. Satin Doll
4. Donna Lee
5. Berga
6. Solo # 1
7. Hips
8. Action
9. Impressions
10. Days of Wine and Roses
11. Babik
12. Nuages
13. The Lady is a Tramp
14. It’s All Right With Me
15. Isn’t She Lovely
16. Joseph
17. Hungaria
18. Deauville en Ville
19. The Shadow of Your Smile
20. It’s Imposible
21. Jack Rabbit
22. Incertitude

Haz click en play para oir este programa

Si quieres bajar este programa haz ¡click!

El mundo de la música clásica no tiene porque ser antagónico respecto de otras dimensiones musicales, y el jazz en particular parece serle cercano en más de un aspecto; sobre todo a partir de la aparición de un jazz que resulta notoriamente academicista y que podría denominarse de élite, aunque ante ello merecería recordar que una parte importante de las obras que componen el repertorio clásico fueron en su origen piezas de carácter absolutamente popular. Sin embargo, es también necesario reconocer una diferencia fundamental entre ambos universos musicales, que de alguna manera marca límites hasta cierto punto irreconciliables y claras fronteras. Esta diferencia radica en el hecho de que allí donde el ideal de la música clásica reside en que el intérprete ejecute la obra en cuestión lo más fielmente posible respecto de su partitura original, el jazz se deleita en cambio incorporando variaciones de todo tipo, al punto de hacer de esta característica su perfil creativo más fuerte. Esta cualidad del mundo del jazz es la que da origen a los llamados standards, composiciones que la generalidad de los intérpretes conoce de memoria y que son ejecutados una y otra y otra vez, aunque siempre de un modo diverso, al punto de que resulte difícil hallar dos interpretaciones verdaderamente similares de un mismo standard, incluso en el supuesto de haber sido ejecutadas por un mismo músico. Por otra parte, es por todos bien conocido que el padre de la música occidental, Johann Sebastian Bach  fue el primer gran improvisador de la música. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto y su máximo exponente. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal.

La seducción que ejercen las obras de Bach en los músicos y en los oyentes de jazz no es caprichosa y tiene varias explicaciones. La más superficial, y también la menos convincente, es la exhibición de virtuosismo que demanda su ejecución. Pero, por otro lado, no es menos cierto que esa música parece la menos propicia para la improvisación. Aunque la improvisación colectiva del jazz temprano de Nueva Orleans era eminentemente polifónica, es evidente que el contrapunto imitativo (en el que las distintas voces repiten los mismos motivos melódicos a la manera de un canon), típico de algunas de las fugas de Bach, resulta difícilmente conciliable con la autonomía necesaria para manipular a discreción una melodía. El pianista ciego Lenie Tristano, que había recibido una formación clásica, creyó encontrar una relación de consanguinidad entre Bach y el jazz que procedía de su fascinación por la linealidad y los contrapuntos rítmicos. Su tema G Minor Complex, constituye la prueba definitiva del modo en que Tristano revisó productivamente la herencia de El clave bien temperado. Más o menos por la misma época, otro pianista formidable, Bud Powell, plasmó en su disco Bud! una referencia al barroco de la escuela bachiana en el tema Bud on Bach.

En esta sesión de La Quinta dedicamos la primera media hora del programa al barroco, para después abrir el abanico al máximo y viajar jazzeramente a través de obras del repertorio clásico desde Mozart hasta Joaquín Rodrigo, pasando por Chopin, Brahms, Grieg y Satie, entre otros.

1. Spring  (Antonio Vivaldi) – Eddie Daniels
2. Brandenburg Concerto Num. 3 Second Mov.  (J.S. Bach) – Hubert Laws
3. Sinfonia 11 en Sol menor, BWV 797 (J.S. Bach) – Richard Galliano Quartet & Gary Burton
4. Preludio y Fuga  Número 3 en Do Sostenido Mayor  (J.S. Bach) – The Swingle Singers
5. Fugue in A Minor (J.S. Bach) – The Modern Jazz Quartet with Almeida
6. Air On a G String (J.S. Bach) – Jacques Loussier
7. Adagio (Wolfgtang Amadeus Mozart) – Paquito D’Rivera
8. Nocturno en Mi Bemol Mayor (Federico Chopin) – Jaques Loussier
9. Preludio en La Mayor Número 7 (Federico Chopin) – Leszek Mozdzer
10. Hungarian Dance  (Johannes Bramhs) – Oscar Peterson
11. Viva El Toro (Georges Bizet) – Barney Kessel
12. Danse Norvegienne (Edward Grieg) – Django Reinhardt
13. Pavane (Gabriel Faure) – Bill Evans
14. Also Sprach Zarathustra ( Richard Strauss) – Eumir Deodato
15. Preludio  en La Menor (Maurive Ravel) – Charlie Haden
16. Gymnopedie (Erik Satie) – Herbie Mann
17. Gymnopedie Número 1 (Erik Satie) – Hubert Laws
18. Preludio Número 4 Opus 11 (Alexander Scriabin) – Chick Corea
19. Concierto de Aranjuez (Joaquin Rodrigo) – Miles Davis