La Quinta Disminuida

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Como una exhibición de instantáneas, como un collage de piezas multicolores, como una paleta de reflejos tornasoles es a la vista, la fusión lo es al oído.

Quizá una de las cualidades más exquisitas del jazz es aquella que le permite probar infinidad de recetas, mixturas y combinaciones. El jazz es la música de la alquimia, el jardín del edén de la creatividad y de la imaginación.

Con estas palabras los invito a deleitarse en una sesión que explorará el jazz fusión en una de sus vetas mayores, el jazz rock. Sin embargo muchos de los presentes en esta sesión podrían ser hijos y hasta nietos de aquellos músicos que a principios de los años setenta, se aventuraron a lanzarse desde lo más alto sin ninguna red visible que pueda amortiguar la caída. En todas estas amalgamas y mezclas, que el jazz siempre tuvo como concepto esencial, hoy probaremos fórmulas compuestas con elementos absolutamente distintos, cuya única nota común será la instrumentación eléctrica, lo demás abundará en variedad. Ésta será una sesión de notas y ritmos contemporáneos, en la que contaremos con diversidad de nacionalidades, culturas y estilos, con músicos provenientes de lugares como Japón, Cuba, Camerún, Estados Unidos, Francia y Turquía, entre otros; todos unidos por encuentros caracterizados por la fugacidad, por una o dos reuniones en un estudio de grabación donde cada uno dominando el lenguaje universal del jazz, aporta con su timbre, su concepto armónico, sus métricas y melodías que por momentos pueden llevar a más de uno a preguntarse: ¿Es esto jazz?

Esta  fotografía jazzera tomada con un lente “gran angular” incluye los siguientes temas:

1. Cleopatra’s Dream – Kazumi Watanabe,Horacio “El Negro” Hernandez, Richard Bona
2. Favor Return of Ensyu – Kazumi Watanabe,Horacio “El Negro” Hernandez, Richard Bona
3. If – Fahir Ataklogu, Horacio “El Negro” Hernandez, Anthony Jackson
4. Cool – Fahir Ataklogu, Horacio “El Negro” Hernandez, Anthony Jackson
5. Valbonne Song – Bireli Lagrene, Dennis Chambers, Dominique DiPiazza
6. Living Hope – Bireli Lagrene, Dennis Chambers, Dominique DiPiazza
7. Glimmer Of Hope – Goodman, Smith, Levy, Burbridge
8. Sufferin Catfish – Goodman, Smith, Levy, Burbridge
9. Extraction – Greg Howe, Victor Wooten, Dennis Chambers
10. Bird’s Eye View – Greg Howe, Victor Wooten, Dennis Chambers
11. Flashpoint – Steve Smith,Dave Liebman,Aydin Esen, Anthony Jackson
12. Fabric Of Reality – Steve Smith,Dave Liebman,Aydin Esen, Anthony Jackson
13. All Tought Out Dennis – Chambers,Jeff Berlin,Dave Fiuczynski,T-Lavitz
14. Bubba – Larry Corryel, Steve Smith, Tom Coster
15. The Litigants – Scott Henderson, Steve Smith, Victor Wooten
16. Protocosmos – Alan Holdsworth, Jimmy Haslip, Chad Wackerman,Alan Pasqua

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Thelonious Monk vivió toda su carrera rodeado de un aura de misterio, introversión y aislamiento. Cuando tocaba el piano se sumergía en un lugar que sólo él conocía, nada más podía alcanzarle. Quizá fue su genialidad, quizá su extraño carácter, pero siempre estuvo separado del resto y pese a que argüía rechazo e incomprensión, sus declaraciones a la hora de hablar de sus colegas eran ciertamente duras. Actuaba con la prepotencia y jactancia de quien se sabe relegado pero único y musicalmente invaluable. Su don desentrañó su identidad, proceso probablemente muy doloroso, que puede haber sido el desencadenante de su genialidad y locura, del genio impredecible, del artista lacónico y atormentado.

La originalidad de Monk, se manifiesta en primer lugar en su técnica pianística absolutamente heterodoxa, en la que más que acariciar las teclas del piano, las aplastaba con sus largos y tensos dedos. Este choque entre las manos de Monk y las ochenta y ocho blancas y negras, generaba una sonoridad ácida y cruel. Thelonious Monk es todo menos un virtuoso, se conforma con una pericia hábil, en la que la flexibilidad en su ejecución y la velocidad en algunos de los trazos, responden a una extraña intuición. Esa austeridad, esa sobriedad insolente, nunca incitó a los pianistas a seguir a Monk  que era maestro y discípulo de su propio estilo, como el mismo dijo alguna vez “los músicos tocan mis melodías pero no pueden tocar en mi estilo”. Esas melodías que fueron imaginadas sin ninguna base armónica, rítmica o melódica, cautivaron a cuanto músico de jazz las escuchaba, quizás porque eran la esencia más pura del arte, y Monk sabía que era así cuando en una entrevista dijo: “Cuando escribo música, no pienso en las notas mismas o en el efecto que mi composición tendrá sobre el público, me limito a pensar en la música”.

El productor de jazz Orrin Keepnews decía que Monk pertenecía a la raza de los que no se doblegan, de los que no se conforman y en esa afirmación puede encontrarse una de las pistas de su relativo aislamiento. Su misma concepción del acompañamiento propende a repeler a más de un parceiro, y alguien como Miles Davis no ocultaba que no toleraba su estilo de acompañar al solista “me encanta como toca y compone, pero no puedo soportarlo detrás de mí, no te brinda ningún apoyo”. Miles estaba en lo correcto, al acompañar Monk se oponía al solista, lo contradecía, trazando con respecto a su línea melódica una segunda línea polémica. En este sentido, Monk inventó un tipo particular de vínculo entre acompañante e improvisador, una especie de relación combativa, que quienes estaban dispuestos aceptarla, encontraban en ella una excitación espiritual que podría dar lugar a una forma de discurso polifónico de un género nuevo. “Monk encontró en raras ocasiones a compañeros que aceptaban, sin trampas, ese juego peligroso”. (Lucien Malson en Los Maestros del Jazz).

En el programa de esta sesión, planteo una  senda a través de 19 temas para que ustedes disfruten de la obra de The Loneliest Monk, desde sus albores hasta su última grabación.

1. Flyin’ Hawk
2. Thelonious
3. Round Midnight
4. My Melancholy Baby
5. The Way You Look Tonight
6. The Man I Love
7. Caravan
8. Blue Monk
9. Ruby, My Dear
10. Rhythm-A-Ning
11. Crepuscule With Nellie
12. Nutty
13. Bemsha Swing
14. Green Chimneys
15. In Walked Bud
16. Reflections
17. Blue Sphere
18. Instrospection
19. Pannonica

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Es uno de los grandes de la que, en palabras de Fernando Trueba es “la más excitante de las músicas”.

Es un virtuoso de su instrumento, es además compositor, director de orquesta y profesor. Lleva veintiún discos en su haber, además de numerosas colaboraciones con artistas de maderas tan distintas como sólidas: Adalberto Álvarez, Marc Bernstein, Ketama,  Dizzy Gillespie, Ana Belén, Patato Valdés y Bireli Lagrene, por citar algunos.

Todo lo hace con una energía extraordinaria, que se hace aún más evidente cuando toca en vivo. En el escenario, envuelve al público en un ambiente de euforia, que se recicla y reaparece, creando un círculo virtuoso de entusiasmo, que hace de cada concierto un momento formidable, por decir lo menos. Su talento, construido a base de mucho estudio, esfuerzo y una dosis extra de algo que me atreveré a llamar grandeza de espíritu, le permite abordar con maestría diversos ámbitos, como la música clásica y la música para cine. Encara con alegría todo aquello que le ha tocado ser y esa es, probablemente, la cualidad que lo distingue de los demás y que le confiere un matiz especial. Cuando le preguntan qué se siente ser uno de los genios de la música actual, con total modestia responde que se considera un hombre bendecido, que agradece vivir en este momento del tiempo.

Melómano desde la infancia, compuso su primera pieza a los cinco años y a los dieciséis ya era miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de su país. Para su último disco “Spirit of the Moment”, compuso ocho temas en ocho días. Con esos antecedentes, no resulta raro que haya recibido un Grammy por su doble “Live at the Blue Note”, otro por “Rhapsody in Blue” como Mejor Álbum Clásico y otro por “Spain” con el guitarrista flamenco Tomatito, además de un premio Emmy por “The Goodwill Games Theme” y una nominación al Grammy por “Triángulo”, como Mejor Álbum Instrumental de Jazz.

Michel Camilo asegura que va por más, y estamos seguros que es así, por el momento disfrutemos de los siguientes temas que son parte del recorrido musical que hicimos de la extensa y maravillosa obra de este gran pianista:

1. From Within – Calle 54
2. Our Love is Here To Stay – Michel Camilo Solo
3. Manteca – A Taste Of Paquito
4. En Mi Viejo San Juan – Hands Of Rhythm
5. Spain – Spain
6. El Día Que Me Quieras – Spain Again
7. Why Not? – One More Once
8. Not Yet – Caribe
9. Rhapsody In Blue – Rhapsody In Blue
10. Suite/Tropical Jam – Concerto for Piano and Orchestra
11. Las Olas – Suntan
12. Suite Sandrine Part V – Why Not?
13. A Night In Tunisia – Thru My Eyes
14. Nostalgia – Michel Camilo
15. Descarga for Tito – Triángulo
16. This Way Out – On Fire
17. Nardis – Spirit Of The Moment

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“El carnaval ignora toda distinción entre actores y espectadores. También ignora la escena, incluso en su forma embrionaria. Ya que una escena destruiría el carnaval. Los espectadores no asisten al carnaval, sino que lo viven, ya que el carnaval está hecho para todo el pueblo”. (Mijail Bajtin)

El jazz, la más popular de las cultas y la más culta de las populares, está presente en todas las manifestaciones culturales de la humanidad, y al ser una música “mestiza” desde sus orígenes, fácilmente se brinda, se adapta, y se transforma para alcanzar diferentes tipos de objetivos. Hoy en La Quinta Disminuida vamos a escuchar a varios músicos, de diferentes partes del planeta, que han dedicado un tema o un álbum integro al carnaval, esta celebración asociada a la inversión de lo cotidiano previa  a las penitencias de la cuaresma cristiana. Considerada la fiesta de las fiestas que atraviesa los tiempos y llega al territorio americano a través de la conquista, se transforma, crece y se mantiene hasta la actualidad. Llega el día en que se travisten los sentidos, en el que todo aquel se convierte en aquello que pretende, o no llega a ser. Lujuria de lo dado y desenfreno de lo que no vendrá. Algo así, más o menos, se supone que tiene que ver con el carnaval. Todo se permite, se dice, se manifiesta, por lo no dicho, lo sugerido, lo prohibido. Rito pagano que se cumple con religiosidad, aún en la variabilidad de sus alcances de acuerdo a pueblos y latitudes, su magnitud profana aparece como purificador de todos los malos espíritus que acechan no sólo la vida terrenal, sino en algunos casos también la subterránea. (Christian Kupchik “Danza el loco carnaval”)

En el lado andino de Bolivia, abundan las manifestaciones a través de diferentes danzas como la de los caporales, la diablada, la morenada, la kullawada, los waca tokoris, etc. Todas estas danzas se originaron después de la conquista, fusionando elementos de la cultura andina y la cultura hispánica. Los waka tokoris por ejemplo, surgieron como una mofa a las corridas de toros, organizadas por los españoles. El waka tokori no es más que una representación burlesca del toro, acompañado de las lecheras, el k’usillo y el matador, todos al mando del Jilak’ata. Esta danza, cuyo significado etimológico es “danza de los toros”, es también considerada como una ceremonia de siembra donde el toro, ungido con su respectiva vestimenta, iniciaba la primera siembra de la región.

Umberto Eco señala que el carnaval tiene que ver con lo cómico, a partir de la alteración de la regla. Pero en lo cómico también anida lo diabólico, y es a través de la máscara y el disfraz que se pretende exorcizar lo siniestro. Al asumir la máscara, es posible asumir cualquier pecado bajo la presunción de inocencia. El carnaval “es el teatro natural en que animales y seres animalescos toman el poder y se convierten en los dirigentes”. El carnaval es la revolución (o la revolución es el carnaval): en el que se decapita a los reyes y se corona a la multitud. El hombre puede ser mujer y la mujer hombre: todo es posible, y al día siguiente todo volverá a la normalidad. El carnaval puede existir sólo como “transgresión” autorizada, de otra manera, se convierte en una amenaza real.

Los temas e intérpretes que son parte de esta sesión son los siguientes:

• Shake it and brake it – Original Olympia Brass Band
• Carnavalito – The Zawinul Syndicate
• Waka Tokori – Johnny Gonzalez
• Carnaval – Spyro Gyra
• New Second Line – Irving Mayfield & Bill Summers
• Varadero – John Patitucci
• Guataca City – Paquito D’ Rivera
• La Murga Rosa – Daniel Maza
• Carnaval Caporal – Yayo Morales
• Carnaval in Rio – Djavan
• Carnavalito – Gato Barbieri
• Carnival – Dizzy Gillespie
• Carnival – Aziza Mustafa Zadeh
• Elegua Chango – Tito Puente
• Manha de Carnaval – Trio Da Paz
• Marcha da 4ta Feira de Cinzas – Vinicius de Moraes y Toquinho

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Existe una vieja receta siciliana que consiste en cocinar durante horas, en una olla con aceite, tomates con perejil y ajo. Cuando llega el momento, los tomates se tiran y el resto se mezcla con los fideos. Lo que se echa sobre la pasta es lo que queda en el fondo de la fuente. Los standards, en el jazz son como esos tomates: lo que sirve es lo que queda una vez que se los descarta. No habría jazz sin ellos, pero el jazz es, precisamente, lo que comienza una vez que el standard termina. Es decir: “Night and Day” o “All of You” son esa base imprescindible sobre la que Miles Davis, Gerry Mulligan o Keith Jarrett construirán su obra. Y esa obra –el jazz– será aquello que, a partir de “Night and Day” o “All of You”, ya no es ninguna de esas canciones, sino algo nuevo, propio y posiblemente irrepetible.

¿Qué es lo que hace que grabación tras grabación los músicos se enfrenten siempre a las mismas piezas que han sido tocadas miles de veces y logren que suenen diferentes cada vez? Los grandes maestros del jazz son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente. El segundo quinteto de Miles Davis y el trío de Bill Evans son apenas dos ejemplos de ello. Un standard es un código mágico, una pieza que resiste el paso del tiempo y que permite un diálogo entre músicos que pueden no haberse visto nunca antes y menos aún haber conversado o ensayado para encarar un standard, una melodía que es el punto de inicio para una posterior creación.

Así como un mismo manjar preparado por distintas manos tiene su propio sabor, los standards intepretados por diferentes artistas adquieren cualidades que los distinguen. Cada pieza tiene una receta básica y para cada una intervendrá la sazón propia. En este banquete tendremos por ejemplo la chispa de Armstrong,  la poesía de Evans, el éxtasis de Jarret, el gélido sonido de la trompeta de Chet y los colores vocales de crooners como Sinatra y Bennett. Ellos, junto a varios otros, darán a los temas no solamente su sabor, color y textura personales, sino también su carácter, su estado de ánimo y, finalmente, su forma de vivir y sentir.

Aquí los tienen, disfruten algunos standards de Cole Porter, Victor Young y Hoagy Carmichael:

• Billie Holiday, Django Reinhardt, Stephane Grappelli y Frank Sinatra en Night And Day
• Tony Bennett, Miles Davis y John Coltrane, The Modern Jazz Quartet, Ray Brown en All Of You
• Chet Baker, The Manhattan Project y Chick Corea en Stella By Starlight
• Carmen McRae, Bill Evans y John McLaughlin en My Foolish Heart
• Ella y Louis ,  Parker con la orquesta de Woody Herman, Michael Brecker y James Taylor en The Nearness Of You
• Ray Charles, Wes Montgomery y Charles Lloyd en Georgia On My Mind