http://www.laquintadisminuida.com Los Podcasts de "La Quinta Disminuida" de Radio Deseo Wed, 08 Sep 2010 14:12:11 +0000 http://wordpress.org/?v=2.9.2 es hourly 1 El Jazz como pasión. Los senderos ocultos, las anécdotas imprescindibles, los autores en su tinta, las referencias obligadas, los homenajes merecidos. Todo sobre el jazz en un programa de dos horas que se transmite en vivo los días jueves en la noche por Radio Deseo en 103.3FM de La Paz, Bolivia. Conduce, produce, dialoga y comparte: Nicolás Peña. Los Podcasts de \"La Quinta Disminuida\" de Radio Deseo Nicolas Pena http://www.laquintadisminuida.com/wp-content/uploads/2009/04/logo_la_quinta.jpghttp://www.laquintadisminuida.com Jazz, Bolivia, Radio Deseo no La Quinta Disminuida admin@laquintadisminuida.com http://www.laquintadisminuida.com/?p=1822 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1822#comments Wed, 08 Sep 2010 14:08:09 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1822 Entre 1961 y 1976, Impulse Records exhibió orgullosamente sus colores corporativos y puso bien alto su signo de exclamación. Produjo discos cuyas fundas de colores brillantes se desplegaban de par en par, igual que un álbum, atrayendo a varias generaciones de oyentes a un excitante y variado universo de música improvisada. El sonido de sus [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1822 0 Entre 1961 y 1976, Impulse Records exhibió orgullosamente sus colores corporativos y puso bien alto su signo de exclamación. Produjo discos cuyas fundas de colores brillantes se desplegaban de par en par, igual que un álbum, atrayendo a varias generaciones de oyentes a un excitante y variado universo de música improvisada. El sonido de sus microsurcos se crispaba con el espíritu de los años sesenta y se movía al ritmo de los experimentos musicales y la excitación política de aquellos días. Para aquellos que vivieron la época, el sello formó parte inherente de esa velocidad, avanzó al ritmo de -y a veces predijo- los sonidos y la política que todavía estaban por llegar. “El Jazz siempre ha sido un reflejo de su tiempo, hoy se producen transiciones sociales violentas, y esos cambios, que a veces provocan confusión, tienen su traducción musical” explicaba en 1966 Bob Thiele, el veterano productor discográfico que dirigió  Impulse durante la mayor parte de aquel período. Pero Impulse hizo bastante más que reflejar una época revolucionaria. Encajó perfectamente en la edad dorada del Jazz, ese breve período que abarca desde finales de los cincuenta hasta los setenta, período en el cual estaban vivos y activos más músicos de Jazz que en ningún momento anterior… o posterior. La estrategia de Impulse Records funcionó, de hecho el Jazz encajó. La época de finales de los cincuenta demostró ser un tiempo de transición cultural. La literatura de los beats, los lienzos de los expresionistas abstractos y actores como James Dean o Marlon Brando, eran los signos más evidentes de una cultura que se preparaba para abandonar un pasado acicalado y de buenos modales, relajarse y abrazar la aventura, la juventud y la moda. El Jazz, la música que había madurado desde un pasado funcional y orientado al baile hasta convertirse en una forma de arte seria, con su propia sensibilidad ardiente, se convirtió en la banda sonora de la época (Ashley Khan: El sello que Coltrane Impulsó) En esta sesión de La Quinta Disminuida escucharemos 18 temas de diferentes músicos, con diferentes formaciones, y diferentes intenciones, que grabaron en ese  sello discográfico entre 1961 y 1969. Going, Going, Gong – Kai Windig & J.J. johnson I’m Gonna Move – Ray Charles Where Flamingos Fly – Gil Evans Yearnin’ – Oliver Nelson Song Of The Underground Rail – John Coltrane For Lena And Lennie – Quincy Jones Inception – McCoy Tyner Self Portrait (Of The Bean) – Duke Ellington & Coleman Hawkins In a Sentimental Mood – Duke Ellington & John Coltrane Happy Times – Freddie Hubbard Track A Solo Dancer – Charles Mingus The Say It’s Wonderful – John Coltrane And Johnny Hartmann I’ve Grown Accustomed To Her Face – Shirley Scott Trio Naima – Archie Shepp The Blue Room – Sonny Rollins Raga Doll – Gabor Szabo The Sun – Alice Coltrane M.E. – Elvin Jones & Richard Davis <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1822"><img align="left" hspace="5" width="150" height="150" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1810 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1810#comments Fri, 27 Aug 2010 15:38:10 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1810 Empezar con Louis Armstrong junto a Oscar Peterson, sabiendo que Nunca será el mismo con la esperanza de que Hay que creer en la primavera gracias a Bill Evans y Tony Bennett, es parte de una cadena musical que surgió en el programa correspondiente al 5 de agosto. Una cadena musical que nos puede llevar [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1810 8 Empezar con Louis Armstrong junto a Oscar Peterson, sabiendo que Nunca será el mismo con la esperanza de que Hay que creer en la primavera gracias a Bill Evans y Tony Bennett, es parte de una cadena musical que surgió en el programa correspondiente al 5 de agosto. Una cadena musical que nos puede llevar hasta donde la imaginación nos lo permita, un vínculo, un eslabón o una señal entre cada tema, es parte de un ejercicio musical que todo melómano alguna vez hizo. Al iniciar el tejido musical, ustedes no podrán imaginar que absolutamente todos los temas propuestos contenían una característica común, que podrán conocerla solamente al final del programa. Y para cerrar la sesión, una reflexión sobre las dos Bolivias. I’ll Never Be The Same – Louis Armstrong & Oscar Peterson You Must Believe In Spring – Bill Evans & Tony Bennett Solitude – Tony Bennett & Count Basie The Moon Is A Harsh Mistress – Pat Metheny & Charlie Haden Footprints – Pat Martino Ana Maria – Wayne Shorter Nevermind – Airto Moreira Ciranda – Nana Vasconcelos Berimbau – Baden Powell My Serenade – Angelo Debarre Bye Bye Blues – Dinah Washington Blue – Jack DeJohnette Oh Lady Be Good – Charlie Parker Oh, Lady Be Good – Lester Young & Count Basie Bolivia – Gato Barbieri Bolivia – Freddie Hubbard <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1810"><img align="left" hspace="5" width="150" src="http://www.laquintadisminuida.com/wp-content/uploads/2010/08/Cadena-Jazzera1-350x273.jpg" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1795 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1795#comments Wed, 18 Aug 2010 21:35:44 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1795 Una sesión de estrenos en La Quinta Disminuida. Siete propuestas diferentes que salieron a la luz este 2010 para regocijo de los melómanos, ávidos por escuchar que camino podría tomar el jazz la próxima década.  La primera fue una sorpresa absoluta, ya que se trata del primer proyecto solista de uno de los bajistas que [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1795 4 Una sesión de estrenos en La Quinta Disminuida. Siete propuestas diferentes que salieron a la luz este 2010 para regocijo de los melómanos, ávidos por escuchar que camino podría tomar el jazz la próxima década.  La primera fue una sorpresa absoluta, ya que se trata del primer proyecto solista de uno de los bajistas que viene trabajando hace 40 años con músicos de todas las parcelas. Seguramente que es el músico de sesión que tiene la agenda más llena, antes y ahora. A pesar de ello, se dio un espacio para, junto al también bajista griego Yiorgos Fakanas, liderar una especie de gran ensamble en el álbum “Interspirit”. Saxos, flautas, trompetas y trombones, se unen a teclados, guitarras, tambores y percusión para interactuar con las frecuencias bajas de Anthony y Yiorgos.  Después de escuchar esa avalancha de instrumentos en el poder interior del griego y las huellas del Wayne Shorter. Bajamos la intensidad para que el contrabajo de Charlie Haden junto al piano de Keith Jarrett nos susurren al oído maravillosos standards del jazz, que si bien fueron grabados el 2007, desprendieron su aroma a jasmine recién este 2010. Un disco absolutamente delicado que privilegia la belleza de lo simple y lo espontáneo produciendo el florecimiento nocturno de una flor con una fragancia deliciosa. Toda la música de este álbum es espontanea, sin preparación previa, y fluye naturalmente gracias a que tanto Charlie como Keith, vuelcan en él toda la magia musical concebida durante toda su vida. Se trata de grandes canciones de amor, en la que los ejecutantes tratan de mantener intacto el mensaje de la canción. Después de tres cuartos de hora de sesión, me animo a compartir con ustedes la última producción musical de Pat Metheny y su Orchestrion, una nueva dirección conceptual, de la que este gran músico dice: “He sido muy afortunado en los últimos años de tener muchas oportunidades de explorar una amplia gama de ideas como músico. La búsqueda para encontrar nuevas formas de pensar sobre las cosas y el proceso de tratar de llegar a un punto de vista personal sobre la música ha sido una prioridad importante en el camino, casi desde el principio. El Orchestrion Project es un salto hacia un nuevo territorio. Este proyecto representa una dirección conceptual recientemente desarrollada, que implica la fusión de una idea de finales del siglo XIX y principios del siglo XX, donde se utiliza alta tecnología para la creación de una plataforma abierta para la invención y ejecución musical. Orchestrionics es el término que estoy utilizando para describir un nuevo método de ejecución que implica el presentar la música -solo- en el escenario con instrumentos musicales acústicos y electro-acústicos que son mecánicamente controlados utilizando el poder de la tecnología moderna. Es un disco solista en el sentido de que soy el único músico que interpreta todos los instrumentos, además en vivo”. “Spirit of the Air” y “Soul Search” son dos de los temas que forman parte de este álbum, que fueron los elegidos para compartirlos. ¿Muy mecánico? ¿Muy frio? Lo sabré al leer sus comentarios. Y para tener la presencia siempre acogedora de las cuerdas vocales, escucharemos tres temas del último proyecto de la cantante Dee Dee Bridgewater. “Eleonora Fagan: To Billie with love” es un homenaje a su majestad “Lady Day”, en el que comenzando por traer a la memoria el verdadero nombre de la inolvidable Billie, rinde un tributo verdaderamente único que solo una artista de la talla de Bridgewater  podía lograr. “Esta es mi forma de homenajear a la vocalista que hizo posible que cantantes como yo, desarrollemos una carrera por nosotras mismas. Quería que el álbum fuera algo diferente: moderno, una celebración, no algo oscuro, huraño y lacrimoso, sino algo alegre. Billie se merece que su música sea escuchada bajo otra luz y definitivamente no traté de imitarla”, relata Bridgewater en [...] <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1795"><img align="left" hspace="5" width="150" src="http://www.laquintadisminuida.com/wp-content/uploads/2010/08/Interspirit1-150x150.jpg" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1784 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1784#comments Tue, 10 Aug 2010 16:02:04 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1784 Joe Zawinul fue uno de los músicos de jazz más influyentes del siglo XX, fue pionero en el uso de instrumentos electrónicos y quizás el primero en usar un piano eléctrico. Sus primeras grabaciones, sin embargo, y sus participaciones como acompañante fueron con el piano acústico y bajo esquemas vinculados al “jazz standard”. La sesión de [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1784 4 Joe Zawinul fue uno de los músicos de jazz más influyentes del siglo XX, fue pionero en el uso de instrumentos electrónicos y quizás el primero en usar un piano eléctrico. Sus primeras grabaciones, sin embargo, y sus participaciones como acompañante fueron con el piano acústico y bajo esquemas vinculados al “jazz standard”. La sesión de hoy estará dedicada íntegramente a este gran músico, pianista, tecladista y compositor, nacido en Viena un 7 de julio de 1932 y fallecido el 11 de septiembre de 2007. La historia comenzó cuando, un día de esos, en los que por instantes la magia se apodera de nuestras decisiones, Joe leyó un anuncio en una de las pocas revistas especializadas en jazz que llegaban a Viena. Se anunciaban becas de estudio en la prestigiosa Berklee School of Music, en Boston; sin más, envió su solicitud y fue admitido. Fue así que un 2 de enero de 1959 tomó un barco que después de cinco días de viaje a través del Atlántico, lo llevó al nuevo mundo. Una pequeña maleta, su beca de estudio y 800 dólares en el bolsillo era todo lo que llevaba. “Sabía que no iba a ser fácil, no tenía parientes y no conocía absolutamente a nadie en Norte América”, comentó años después. Al llegar a Nueva York, una de sus primeras paradas fue en el famoso club Birdland, lugar que se convertiría en su primera imagen del jazz en esa ciudad. A partir de ese momento el Birdland tuvo un significado especial que lo acompañaría a lo largo de su vida. No sólo era un símbolo de su llegada al corazón del jazz, sino que además fue ahí donde conoció a su esposa, Maxine, con quien compartiría más de 40 años de matrimonio y la crianza y educación de tres hijos, Anthony, Erich e Iván. Su estadía en la escuela de Berklee fue breve, pues comenzó a trabajar en el ambiente jazzístico acompañando al trompetista Maynard Ferguson y a la cantante Dinah Washington, aunque fue en el otoño de 1961 que su toque al piano encontró un asidero, al unirse a una figura fundamental, como era Cannonball Adderley, el saxofonista con el que permaneció durante casi diez años. La relación entre Cannonball Adderley y Joe Zawinul fue muy fructífera, no sólo en el plano musical, sino también en el personal. Fue una relación que se fortalecía por los constantes viajes que el grupo realizaba para sus presentaciones dentro los Estados Unidos de Norteamérica, que normalmente hacían en automóvil. Zawinul comentó cierta vez: “como yo era un inmigrante, Cannonball era mi familia, él fue mi padrino de matrimonio, les regaló bicicletas a mis hijos, era un gran amigo… en verdad era más que un amigo… era como un hermano para mí, años después de su muerte, siempre hablo de él con mi esposa… casi todos los días”. Su crecimiento y desarrollo como un verdadero solista comenzó por el año 1967, período en el que el sonido de Zawinul ya desprendía rasgos de un aire absolutamente personal. Esto, junto a un perfeccionamiento de su técnica bajo el tutelaje de Raymond Leventhal,  quien lo embarcó en una rigurosa práctica, convertiría a Zawinul en un intérprete reconocido en todo tipo de música. Leventhal comentó que su discípulo estaba preparado para encarar cualquier obra de la música de tradición escrita, desde Bach hasta Rachmaninof. El reconocimiento que Zawinul comenzó a adquirir en el mundo musical llegó a los oídos de Miles Davis, quien además estaba intrigado por el sonido del piano eléctrico, que Zawinul dominaba. Miles asistió a varias presentaciones y conciertos del grupo de Cannonball para oír cómo se adaptaba el sonido de un piano eléctrico, al saxo y a la trompeta y llegó al absoluto convencimiento de que el camino que quería seguir era el eléctrico. Fue así que a finales de los años sesenta comenzó a imaginar el nuevo sonido de su música. A Miles, sin embargo, no solamente le interesaba el sonido de Zawinul en el piano eléctrico, también admiraba su estilo [...] <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1784"><img align="left" hspace="5" width="150" src="http://www.laquintadisminuida.com/wp-content/uploads/2010/08/joe-zawinul-278x350.jpg" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1762 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1762#comments Mon, 02 Aug 2010 14:42:03 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1762 Jazz y cine nacieron con el siglo y balbucearon sus primeras palabras casi al unísono, no es casualidad que la primera película sonora de la historia del séptimo arte haya sido bautizada allá por 1927 como “El cantor de Jazz”. A pesar de ello, el cine no siempre ha tratado bien al jazz. Durante los [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1762 2 Jazz y cine nacieron con el siglo y balbucearon sus primeras palabras casi al unísono, no es casualidad que la primera película sonora de la historia del séptimo arte haya sido bautizada allá por 1927 como “El cantor de Jazz”. A pesar de ello, el cine no siempre ha tratado bien al jazz. Durante los años 30 y 40 el jazz en el cine estuvo relegado a la comedia musical. El jazz se escuchaba en las emisoras de radio y en los clubes nocturnos mientras se expandía a lo largo de toda América. Las cosas comenzaron a cambiar durante los años 50 gracias a los trabajos musicales Raskin y Bernstein, lo que significó una brisa de aire fresco en los estudios, al incorporar composiciones de música pop y jazz. En esta sesión de La Quinta Disminuida conversamos con el director de cine Marcos Loayza, con el que exploramos su aproximación al jazz a través de un poker abierto en el que el Marcos saca cartas que nos muestran su gusto musical y su aproximación al jazz. Si bien su biografía nos dice que nació en La Paz en 1959, que inicialmente estudió arquitectura en la Universidad Mayor de San Andrés y luego Cine en la Escuela Internacional de Cine y Video de San Antonio de los Baños en Cuba, que fue alumno de Alfredo Bryce Echenique , Jean Claude Carriere y José Sanchís Siniestra, que tiene una filmografía en la que se pueden mencionar Cuestión De Fe del año 1995, Escrito en el Agua en 1997, El Corazón de Jesús en 2004, El Estado de las Cosas de 2007, sin embargo en su biografía no están escritas muchas cosas que son fundamentales para conocer a Marcos como aquel encuentro que tuvo con el músico argentino Pedro Aznar para la musicalización de Escrito en el Agua, una banda sonora que solo existe en la imaginación de quienes consideramos a Pedro como uno de los músicos más importantes de Latinoamérica. Los temas que acompañan esta charla fueron seleccionados por entrevistador y entrevistado, sin embargo  en algunos lugares del camino andado, simplemente aparecieron. Blue Velvet – Isabella Rossellini Don’t Be That Away – Benny Goodman/Harry James/Gene Krupa Ironside – Quincy Jones Take Five – Dave Brubeck/Carmen McRae Autotango – Oscar Garcia Verano en Nueva Inglaterra – Pedro Aznar A Primera Vista – Pedro Aznar God And The Devil in The Land of The Sun – Antonio Carlos Jobim Ai Danzon – Roberto Fonseca As Times Goes By – Doodley Wilson I See Your Face Before Me – Johnny Hartman A Song For You – The Temptations Canteloupe – US3 Birdland – Quincy Jones O Futebol – Chico Buarque/Toots Thielemans Años Dorados – Chico Buarque/Tom Jobim Love Theme From Spartacus – Bill Evans Misty – Sarah Vaughan Misty – Errol Garner <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1762"><img align="left" hspace="5" width="150" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1728 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1728#comments Mon, 26 Jul 2010 18:27:39 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1728 Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1728 4 Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, un Premio Pulitzer. El otro artista que también tiene un EGOT es el compositor norteamericano Marvin Hamlisch. Rodgers nació un 28 de junio de 1902 en el seno de una próspera familia judía en Arverne, Queens, Nueva York. La fortuna y posición social de su familia fueron aspectos que facilitaron su ingreso al mundo artístico. Su hermano mayor, que estudiaba leyes en la universidad de Columbia, le ayudó a contactarse con Oscar Greeley Clendenning Hammerstein II, que también estudiaba leyes y con quien escribió un libreto para el Columbia Varsity Show, importante y tradicional evento de esa universidad. Otro estudiante que participaba en el show era Lorenz Hart, con quien crearían la que sería una de las más exitosas parejas de compositores, con Rodgers a cargo de la música y Hart de la letra. Este primer contacto fue el inicio de veinticinco años de una prolífica relación musical, de 1919 a 1943, año en el que el letrista falleció. En 1927 la introducción del sonido en el cine impulsó la producción de películas musicales, gracias a lo cual varios de los musicales de Rodgers & Hart fueron adaptados como películas. Debido a su éxito, los estudios de cine de Hollywood comenzaron a contratar a los compositores de musicales de Broadway para que escriban música directamente para la pantalla gigante. Por otra parte, la depresión de la década de 1930 dificultó en gran medida el montaje de obras musicales, por lo que a partir de 1930, Rodgers y Hart comenzaron a trabajar regularmente en Hollywood, sin musicales en Broadway durante casi cinco años (1931 – 1935), lo que los impulsó a firmar un contrato con la productora Warner Brothers. Oscar Hammerstein II, cuya familia incluye un propietario de un teatro, un productor y un empresario de ópera, asistió a la escuela de Derecho de Columbia antes de embarcarse en la carrera de libretista y letrista. Fue un autor tan fecundo que solamente pudo superarlo Irving Berlin, por la cantidad de letras de canciones que escribió. Hammerstein tuvo su primer éxito en Broadway con la opereta Rose Marie (1924) y las obras The desert song (1926) y The new moon (1928). Su primera colaboración con Richard Rodgers fue en 1943 con la obra Oklahoma, que les hizo ganar un Pulitzer. Este musical les allanó el camino para todo el trabajo que produjeron juntos hasta 1960. En 1945 la película State Fair ganó un Oscar con la canción It Might as Well Be Spring; posteriormente, en 1949, ganaron un segundo Pulitzer con la obra South Pacific. Entre sus más conocidos e importantes musicales están The King and I (1951), Carrousel (1945), Flower Drum Song (1958) y The Sound of Music (1959). De esta última producción, “My favorite things” es una de las piezas más hermosas jamás compuestas y que John Coltrane inmortalizaría luego en el mundo del jazz. La primera parte de esta sesión estará integrada por temas de la dupla Rodgers & Hart, mientras que la segunda se dedicará a la fascinante producción de Rodgers & Hammerstein II. My Funny Valentine – Miles Davis  Quintet Blue Moon – Billie Holiday My Romance – McCoy Tyner Where or When – Frank Sinatra & Count Basie Bewitched – Antonio Hart It’s Easy To Remember – Karrin Allyson The Most Beautiful Girl In The World – Sonny Rollins You Are Too Beautiful – John Coltrane & Johnny Hartman Have You Meet Miss Jones – Ben Webster & Art Tatum My Favorite Things – John McLaughlin The Sweetest Sounds – Sarah Vaughan The Surrey With The Fringe On Top – Ellis Marsalis Hello Young Lovers – Mel Tormé This Nearly Was Mine – Chick Corea The Lady Is A Tramp – Ella [...] <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1728"><img align="left" hspace="5" width="150" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1713 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1713#comments Mon, 19 Jul 2010 17:04:52 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1713 “Sé que voy a morir un día, pero también sé que la música sobrevivirá” dijo Antonio Carlos Jobim, poco antes de su muerte. El 8 de diciembre de 1994 un infarto fulminante terminaría con la vida del George Gershwin brasileño, una vida alumbrada por las verdades sencillas que acumuló a lo largo de su caminar. Dedicó [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1713 6 “Sé que voy a morir un día, pero también sé que la música sobrevivirá” dijo Antonio Carlos Jobim, poco antes de su muerte. El 8 de diciembre de 1994 un infarto fulminante terminaría con la vida del George Gershwin brasileño, una vida alumbrada por las verdades sencillas que acumuló a lo largo de su caminar. Dedicó sus últimos años a luchar por la defensa de la naturaleza y la integridad de su país: “Destruir la naturaleza y oprimir a la mujer son una constante en la vida de los hombres. El país que me inspiró ya no existe, tenía paz, amor, chicas lindas y ahora, en cambio, se preocupa por tener la bomba atómica” El sofisticado autor de la compleja simplicidad de La Garota de Ipanema se convirtió en un filósofo profundo, sin perder sencillez. “La vida es buena, es el hombre el que acaba por complicarla”. Sin duda, su música sobrevivió y lo hizo más allá de sus fronteras, convirtiéndose en una influencia fundamental para cualquier músico. En la primera parte del programa homenajeamos al maestro a través de interpretaciones de sus composiciones a cargo de músicos vinculados al mundo del jazz; en la segunda parte continuamos con el legado de la música del Brasil, con composiciones de músicos de una generación posterior a la de Tom, como Milton, Caetano, Djavan y otros. Desafinado – Chick Corea/Eddie Gomez/Airto Moreira Triste – Joe Henderson No More Blues – Ron Carter Photograph – Ella Fitzgerald Double Rainbow – Sarah Vaughan The Girl From Ipanema – Nat King Cole How Insensitive – Tony Bennett Meditation – Joe Pass Wave – Joanne Brackeen One Note Samba – The Modern Jazz Quartet Quiet Nights of Quiet Stars – Oscar Peterson Outubro – Paul Desmond The Island – Billy Childs Upside Down – Cal Tjader & Carmen McRae Dom De Iludir – Stefano Bollani Flora – Joanne Brackeen Loro – Esperanza Spalding O Que Sera – Brad Mehldau <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1713"><img align="left" hspace="5" width="150" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1703 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1703#comments Tue, 13 Jul 2010 01:08:08 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1703 En la iconografía musical de principios de los años 50, el jazz de Charlie Parker y Dizzy Gillespie era equivalente al átomo, ya que contenía una enorme cantidad de potencia comprimida en un envase pequeño. Y como el átomo, la rotura o la fisión del Bebop, llevada a cabo por los músicos de jazz de [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1703 2 En la iconografía musical de principios de los años 50, el jazz de Charlie Parker y Dizzy Gillespie era equivalente al átomo, ya que contenía una enorme cantidad de potencia comprimida en un envase pequeño. Y como el átomo, la rotura o la fisión del Bebop, llevada a cabo por los músicos de jazz de los 50, liberó un inesperado torrente de energía. Esa energía generó una explosión de creatividad y excelencia artística que eclipsa a todas las otras de la historia del jazz; una era dorada en la que los herederos del Bebop produjeron colectivamente una asombrosa variedad de música. Los 50 vieron crecer y ocupar el candelero a docenas de músicos importantes que incluían a Miles Davis y Chet Baker, John Coltrane y Sonny Rollins, Dave Brubeck y Bill Evans, Jimmy Smith y Horace Silver, Art Blakey y Max Roach, Gerry Mulligan y Stan Getz, que cuando exploraron y expandieron el material que contenía esa partícula llamada Bebop, las implicaciones del lenguaje se hicieron evidentes y concretas. Resulto que el diminuto átomo  contenía partículas aún más pequeñas, cada una con características distintas, el Cool y el Hard Bop. El lenguaje conocido como Hard Bop, se parecía bastante al Bebop, solo que visto desde una perspectiva nueva en la que los músicos mantuvieron la esencia de la lengua materna, pero calmaron los ritmos más frenéticos y le devolvieron a la música una emotividad terrena, característica que se les había escapado a los boopers en su búsqueda de reconocimiento como “artistas” más que como “animadores”. El Hard Bop enfatizó el ritmo, buscando mayor intensidad sonora, con un aporte de blues con texturas más oscuras y líneas improvisadas cortas. En cambio el Cool, rompió con los tempos acelerados, los estallidos de intensidad, y las demostraciones de virtuosismo llegaron a su fin, pero sobre todo, y más allá de características musicales, el Cool, suave, sensual y aterciopelado, expresó una pose de aparente indiferencia que fue muy bien recibida por los adolescentes y adultos jóvenes de los años 50. En vez de extraversión, el Cool exhibió introspección, donde los músicos de esta escuela defendían el valor de la contención, manteniendo una ligera distancia entre sí mismos y las emociones que yacían debajo de la música. En términos específicos, prefirieron una interacción cerebral entre los instrumentos melódicos, en la que la sección rítmica no abunda con acentos incendiarios que empleaban los bateristas del Hard Bop. En la escuela Cool, los músicos estaban a favor de tonos planos y asordinados, prácticamente sin utilizar el vibrato. Esta sesión es una especie de mousse de chocolate y vainilla, preparado con raciones similares de Cool y Hard que les aseguro que no les producirá ningún empalagamiento. Boplicity – Miles Davis Take Off – Miles Davis Wow – Lennie Tristano, Lee Konitz, Warne Marsh Blues Walk – Clifford Brown, Max Roach My Funny Valentine – Gerry Mulligan Quartet c/ Chet Baker St. Thomas – Sonny Rollins Lullaby of Birdland – George Shearing Abdulah – Elmo Hope Take Five – Dave Brubeck The Preacher – Horace Silver & The Jazz Messengers Let’s Gets Lost – Chet Baker Limehouse Blues – Cannoball Adderley & John Coltrane Django – The Modern Jazz Quartet Long Green  – Donald Byrd Stella By Starlight – Stan Getz Heavy Dipper – Lee Morgan Walkin’ Shoes – Art Pepper Moanin – Art Blakey & The Jazz Messengers <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1703"><img align="left" hspace="5" width="150" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1695 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1695#comments Fri, 02 Jul 2010 13:45:44 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1695 Es notable que fuese un europeo quién desencadeno el gran éxito del violín en el jazz de las últimas décadas del siglo XX. Jean-Luc Ponty electrificó real y definitivamente el violín. Por ello, su posición es la misma que la de Charlie Christian entre los guitarristas, la de Jimmy Smith entre los organistas o la [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1695 0 Es notable que fuese un europeo quién desencadeno el gran éxito del violín en el jazz de las últimas décadas del siglo XX. Jean-Luc Ponty electrificó real y definitivamente el violín. Por ello, su posición es la misma que la de Charlie Christian entre los guitarristas, la de Jimmy Smith entre los organistas o la de Jaco Pastorius entre los bajistas. Ponty, con formación clásica en el estudio del violín, empezó su carrera con grabaciones de bebop y neo-bop, como es evidente en sus primeros discos solistas y en colaboraciones con otros maestros del violín, como en el álbum “Violin Summit” junto a Stephane Grappelli, Stuff Smith y el danés Svend Asmussen. A principios de los años 70 se trasladó a los Estados Unidos  donde tocó primero con Frank Zappa y después en la segunda Mahavishnu de John McLaughlin. Durante toda esa década, Ponty desarrolló los impulsos que había recibido de sus maestros y creó un  sonido indiscutiblemente propio, único e individual, generando una música más ligera, más cálida, más romántica y más accesible que la de otros discípulos de la fusión, lo que le valió el éxito entre un vasto público, incluso fuera del ámbito de la misma fusión. Pero también desarrolló una tendencia (según la revista down beat) a volverse totalmente predecible y a encerrar su manera de tocar y sus arreglos en la más estrecha de las bolsas. Ponty utiliza un vasto número de accesorios para producir los sonidos electrónicos de su violín, y su música se ha vuelto un caso de estar constantemente en el límite entre los efectos extra-musicales y una elevada calidad musical. Como el músico Jque en realidad inició el interés contemporáneo en el violín (con sus discos de jazz standard de finales de los años sesenta) Ponty fue indirectamente responsable del regreso a la música de los veteranos maestros Joe Venuti y Stéphane Grappelli. En este programa dedicado íntegramente a este maestro del violín, realizamos un viaje a través de veinte temas, desde su primer álbum grabado en 1964 bajo el título de “Jazz Long Playing”, hasta su última producción musical del año 2007 influida por la magia del desierto de Atacama. Manoir De Mes Reves – Jazz Long Playing The Loner – Electric Connection Flipping Part I – Open Strings Upon The Wings Of Music – Upon The Wings Of Music Aurora – Aurora The Gardens Of Babylon – Imaginary Voyage Overture/The Trans-love Express – Enigmatic Ocean Cosmic Messenger – Cosmic Messenger Sunset Drive – A Taste For Passion Happy Robots – Civilized Evil Rhythms Of Hope – Mystical Adventures Nostalgia – Individual Choice Watching Birds – Open Mind Cats Tales – Fables The Gift Of Time – The Gift Of Time The Story Teller – Storytelling Ye Ke Ye Ke – Tchokola Lost Illusions – No Absolute Time And Life Goes On – Life Enigma Celtic Steps – The Atacama Experience <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1695"><img align="left" hspace="5" width="150" [...] http://www.laquintadisminuida.com/?p=1685 http://www.laquintadisminuida.com/?p=1685#comments Fri, 25 Jun 2010 02:05:54 +0000 Nico http://www.laquintadisminuida.com/?p=1685 El 26 de octubre de 1960, en La Habana, Bebo se embarcó en un avión con destino a México. No se lo dijo a su familia hasta el día de la partida. Y Chucho no fue a despedirle al aeropuerto ya que: “Tenía la corazonada de que no lo iba a volver a ver”. Han [...]]]> http://www.laquintadisminuida.com/?feed=rss2&p=1685 8 El 26 de octubre de 1960, en La Habana, Bebo se embarcó en un avión con destino a México. No se lo dijo a su familia hasta el día de la partida. Y Chucho no fue a despedirle al aeropuerto ya que: “Tenía la corazonada de que no lo iba a volver a ver”. Han pasado casi 50 años, pero a Chucho le brillan los ojos al recordarlo. “Lo viví con gran dolor. La vida cambió para mí. Tenía 19 años y tuve que hacer de papá, de hermano mayor y de todo. Me obligué a ser un hombre ya. Le juré a mi mamá que nunca la iba a abandonar. Y hasta hoy estoy al lado de ella. Me dijo: “Chucho, nunca me dejes”. Y yo he cumplido y voy a cumplir con ella”. Tampoco le fue fácil a Bebo dejar a sus cinco hijos. “Las autoridades me dijeron, si no te gusta, vete”. Ya no le permitían entrar en Radio Progreso porque no estaba afiliado al partido. Y un día llegó a su casa y le estaba esperando uno de sus músicos con un fusil al hombro “¿Te integras o no?” le dijo. “Era, el que no está con nosotros, está en contra. No había término medio. Entonces decidí irme. Sabía que posiblemente no volvería”. Los dos nacieron un 9 de octubre. Bebo en 1918. Chucho en 1941. En su casa de La Habana, Bebo solía sentarse al piano junto a su hijo. Uno a cada lado. Y se cambiaban de sitio. Bebo se ponía a tocar el bajo en las cuerdas más graves y Chucho tocaba la parte de los metales en el registro medio y agudo. O viceversa. Una tarde, antes de que Bebo se fuera a trabajar al Cabaret, padre e hijo estaban viendo la televisión y Bebo le dijo: “Vístete, que vas a tocar esta noche”. Chucho miro a su padre asustado, y al tratar de argumentarle que aún no estaba listo, Bebo le dijo: “Ahora te espera la Universidad de la calle”. En esta sesión de La Quinta, comenzaremos escuchando a Bebo. Luego a Chucho. Y en la última parte, un dialogo, un abrazo, en el que finalmente, un 26 de junio de 2007, Bebo y Chucho Valdés se reunieron en un estudio en Madrid para grabar un disco juntos, en el que se manifiesta el legado de dos artistas que tuvieron que vivir separados más tiempo del que ambos hubieran querido. <a href="http://www.laquintadisminuida.com/?p=1685"><img align="left" hspace="5" width="150" [...]