La Quinta Disminuida

Tag: Peter Erskine

El latido del jazz

por a las jul.26, 2011, en Instrumentos, La Quinta en la Radio

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La fecha de nacimiento de la batería se remonta a finales del año 1895 y principios del 1900, sin embargo en el año 1909 con la invención del pedal del bombo, el instrumento se populariza y comienza a ser utilizado en las bandas de ragtime. En esos años, el set de una batería estaba formado por un bombo, una caja o tambor de reboble y una placa de madera. Unos años más adelante se adiciona a este set un tambor y un pequeño platillo. Esta conformación del instrumento era usual en los grupos del estilo conocido como New Orleans Jazz, que abarca más o menos hasta el año 1928. Con la evolución hacia el swing y la era de las Big Bands, la batería incorporó en su set a un elemento fundamental conocido como hi-hat, que se convirtió en la base del acompañamiento sustituyendo en esas funciones a la caja y teniendo además la ventaja de permitir la apertura y el cierre a través de un mecanismo de pedal generando de esta manera un contacto entre dos platillos que se podían utilizar en combinación con el golpe de las baquetas. También se adicionó al set de la batería un timbal, o tambor de piso, el cual algunos bateristas usaban como elemento central para el acompañamiento y los solos.

El período en el que la batería alcanzó su más alto nivel de desarrollo fue en el bebop, en el cual se completa el set tal cual lo conocemos hoy en día, es decir bombo, caja, tambores, hi-hat y un elemento nuevo  no utilizado en su máxima dimensión hasta entonces, los platillos. De todo el set de platillos destaca sobre todo el que se conoce como ride cymbal en el cual se marca el tiempo con el característico swing, jugando con los contratiempos en el bombo y la caja. Con todas estas herramientas la batería ya comienza a perfeccionar los brakes y los solos con los que logra independizarse de su rol de simple acompañamiento. De ahí en adelante, el hard-bop, el cool, el free, la fusión y otros estilos definieron el nuevo rol de la batería, que sin embargo a pesar de la evolución de este instrumento en la forma y en el fondo, siempre mantuvo su carácter primigenio del latido, del pulso, hasta cierto punto del alma del jazz.

Comparto con todas y todos ustedes este programa de La Quinta Disminuida, emitido hace ya bastante tiempo pero que aún no estaba en la bloggosfera, que lo disfruten… si lo se, faltan muchos bateros imprescindibles, excelente motivo para hacer otro programa dedicado a la batería.

  1. C Jam Blues
  2. St. Thomas
  3. Take the Coltrane
  4. Question & Answser
  5. Oleo
  6. Gambia
  7. Anxiety/Taurian Matador
  8. Dotcom-Bustion
  9. Egyptian Danza
  10. Pachamama
  11. Softly as in the Morning Sunrise
  12. The Chicken
  13. D.B.D.
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El sonido más bello después del silencio

por a las feb.21, 2011, en La Quinta en la Radio, Músicos, Personajes del Jazz

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ECM es un sello discográfico que se ocupa de una “sencilla” premisa: entregarse fielmente a la música y responder con imaginación a todo lo que esta suscita. Su productor, Manfred Eicher, provoca que el sello este siempre en constante evolución. Con más de mil discos a sus espaldas, le asalta la misma pregunta que a tantos y tantos improvisadores de todo el planeta: “¿Y ahora qué?”. Y el viaje prosigue, sesión a sesión, disco a disco, rumbo al horizonte, y a través de la siempre sorprendente y variada orografía que compone esta suerte de “paisaje audible”.

Manfred Eicher, nacido en 1943 en la ciudad alemana de Lindau, no seguía, al principio, un gran plan; simplemente tenía una vaga idea del sonido que anhelaba en tanto que músico europeo que había llegado al jazz a través de la música de cámara. También le apasionaban el cine, las artes visuales y la literatura, elementos que encajarían perfectamente en su trabajo en ECM, la compañía que en 1969 fundó en Munich junto con el empresario local Karl Egger. Cuando se le pregunta si tenía algún modelo válido en términos de sonido y repertorio cuando creó ECM, el dice: “Siempre he creído que el sonido del Kind Of Blue de Miles, y más concretamente el del piano de Bill Evans, era uno de los mejores modelos. Los músicos, el equipo de ingenieros y Teo Macero en las labores de producción supieron dar con un sonido que me encantaba”

“El sonido más bello después del silencio” es la premisa para los discos del sello ECM, que goza de gran vitalidad después de 42 años de trabajo principalmente por el involucramiento absoluto de Eicher. Su compromiso es tan profundo hasta el punto inclusive que ayuda a modelar la música y el sonido de los artistas que graban en su sello. Su manera de entender la música no pasa necesariamente siempre por la partitura, es solo una pauta, una guía principal, como el mismo reconoce: “como bien sabemos, la música empieza cuando los músicos se encuentran frente al micrófono. En ese  momento, te conviertes en el primer oyente. Es una situación muy íntima. En la psicología de una grabación también intervienen el contacto visual, las palabras y como las pronuncias. No hay dos sesiones idénticas. Tiene mucho que ver con tus reflejos, con cómo escuchas junto a otras personas en una misma sala, con escuchar y compartir lo mismo, o respirar al son de las mismas pausas, frases o intervalos. A veces, es así de sencillo, y son momentos inolvidables.

Durante buena parte de los años setenta, el jazz siguió adelante a trancas y barrancas, y tuvo que lidiar en más de una ocasión con cuestiones relacionadas con su propia identidad o con la percepción que de esa música se tenía. Aunque un gran número de talentosos músicos estaban creativamente comprometidos con el jazz, no compartían un fin intelectual común. Sin embargo, con el paso del tiempo se ha hecho más y más evidente que una de las fuerzas que aglutinaba la actividad jazzística en Norteamérica -a principios de los años setenta- tenía su origen en Munich, pues el sello ECM cultivaba y difundía algunos de los mejores trabajos, y también de los más imperecederos de esa época convulsa, trabajos que resistían el paso del tiempo. A diferencia de la industria discográfica jazzista norteamericana, que se ha caracterizado fundamentalmente por una relativa volubilidad, ECM ha sido una fuente de estabilidad, de coherencia en términos de presentación –tanto musical como visual o sonora- y de enfoque artístico.

En esta sesión de la quinta, resaltamos ese trabajo pulcro y delicado que realiza ECM, a través de las grabaciones de algunos de los más importantes músicos que confiaron su arte a este sello alemán.

  1. Once I Dreamt a Tree Upside Down – Jan Garbarek
  2. Sun Bay – Enrico Rava/Stefano Bollani
  3. An Evening With Vincent Van Ritz – Eberhard Weber
  4. Lovely Walk – Manu Katche
  5. You and Me – Zakir Hussain
  6. Kattorna – Tomasz Stanko
  7. Druid’s Circle – John Surman
  8. Tramp Blues – Miroslav Vitous
  9. And Zero – Egberto Gismonti
  10. My Song – Keith Jarrett
  11. Ralphs Piano Waltz – John Abercrombie
  12. Blue Midnight – Paul Motian
  13. I’m Your Pal – Gary Burton/Chick Corea
  14. Jamala – Gateway
  15. Bright Size Life – Pat Metheny
  16. Black Butterfly – Charles Lloyd
  17. Time Being – Peter Erskine
  18. Palhaco – Charlie Haden
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Jaco y Jimi

por a las oct.17, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos

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Dos consonantes y dos vocales, la fatídica “J” como signo de un destino mágico y trágico al mismo tiempo, dos hombres que reinventaron su instrumento añadiéndole una dimensión hasta entonces no explorada, como no hacerles un homenaje recordando que septiembre fue el mes que escogieron para dejar este mundo.

“Mi nombre es John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista eléctrico del mundo”. Así se presentaba, ni más ni menos… No existe fanático del jazz que no conozca a Jaco Pastorius. No hay bajista que no lo idolatre. Y es que Jaco vino a revolucionar el mundo del jazz, tanto en aspectos creativos de sus composiciones, como en la manera de tocar el bajo eléctrico. Antes de Jaco, el bajo, era un instrumento bi-dimensional, Jaco le dio una tercera dimensión, su percusiva y fluida rítmica funk, el innovador uso de armónicos naturales y su excepcional empleo de acordes, le permitían tocar desde una Fantasía cromática de J. S. Bach hasta los Pasos Gigantes de Coltrane, pasando por la Bruma Púrpura de Hendrix, todo esto en un bajo Fender Fretless que el mismo se había “fabricado” quitándole los trastes con la ayuda de una navaja.

James Marshall nació en Seatle el 27 de noviembre de 1942, fue el primer hijo de Al y Lucille Hendrix. En un principio, Lucille bautizó como Johnny Allen Hendrix y fue conocido con este nombre durante los tres primeros años de su vida. La bisabuela de Johnny había sido una india Cherokee de raza pura, mientras que su abuelo por parte de padre nació de la unión entre una esclava y un capataz.

En este programa recordamos y homenajeamos a estos dos gigantes de la música que sacrificaban una parte de su alma cada vez que hacían vibrar las cuerdas de su instrumento, homenaje a través de músicos que desde el mundo del jazz y con una actitud sin complejos les dedicaron no únicamente temas, sino álbumes integros.

A Jaco:

  1. Jaco – Pat Metheny
  2. For Jaco – John McLaughlin
  3. Jaco – Gil Goldstein
  4. Continuum – Victor Bailey
  5. Song For Jaco Song For a Friend – Peter Erskine
  6. Straight Across – Eliane Elias
  7. Galileo – Yellow Jackets
  8. Three Views Of A Secret – Brian Bromberg
  9. Mr. Pastorius – Miles Davis

A Jimi:

  1. Angel – Gil Evans
  2. Third Stone From The Sun – John Patitucci
  3. Up From The Skies – Fleurine/Brad Mehldau
  4. Purple Haze – Lonnie Smith Trio
  5. Who Knows – Mike Stern
  6. Hey Joe – Brian Bromberg
  7. Little Wing – Jonas Hellborg
  8. The Wind Cries Mary – McLaughlin/Sting/Colaiuta
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