La Quinta Disminuida

Tag: Paquito D’Rivera

Miles y lo inefable

por a las abr.29, 2010, en Albumes, La Quinta en la Radio

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¿Podría parecer pretencioso afirmar que Kind of Blue es una obra maestra? Lo es. ¿Según qué puntos de vista? Todos.

Diez horas. Dos fechas, 2 y 22. Dos meses, marzo y abril. Un año, 1959. Una ciudad, Nueva York. Siete músicos. Un estudio adaptado en una vieja iglesia de madera. ¿Qué factor inusitado pudo haberse producido entre todas estas piezas para que de ellas nazca la joya más grande del jazz?

¿Y qué se puede decir sobre Kind of Blue que no se haya dicho ya? Muy poco en realidad.

Podría reiterar que es una obra maestra gracias a varios elementos que la fortuna tuvo a bien reunir en el lugar y el momento precisos, como la extraordinaria calidad de los integrantes del grupo: Miles Davis en trompeta, Bill Evans en el piano, Julian “Cannonball” Adderley en saxo alto, John Coltrane en el saxo tenor, Paul Chambers en el contrabajo, Jimmy Cobb en la batería y Wynton Kelly, el nuevo pianista reclutado por Miles, que tuvo que conformarse con tocar en un solo tema.

Esta combinación de prodigios creativos, unida al hecho de que las composiciones eran completamente originales y los músicos no contaban con un conocimiento previo de las mismas, resultó en un caleidoscopio de estilos que, en lugar de confrontarse, como podía haberse supuesto, decantaron en perfecta armonía, logrando un disco belleza absoluta por todos sus ángulos.

Otro aspecto que se menciona con frecuencia refiere que con Kind of Blue Miles Davis dio a luz un disco perfectamente ubicado en ese nebuloso punto de equilibrio que seguramente existe entre las distintas corrientes jazzísticas.  Por algo ha llegado a ser el álbum más vendido y aplaudido de la música contemporánea.

Es innegable también que Kind of Blue es un pedazo de historia que ha sido aceptado tanto por los críticos más ácidos, como por rígidos conservadores, pero además ha logrado seducir e iniciar incluso a los más incipientes degustadores del jazz.

Sin embargo, un leviatán sagrado como este álbum no puede limitarse al espacio de las palabras. Kind of Blue trasciende lo que la mejor crítica puede decir y lo que el más sesudo análisis pueda descifrar. Atemporal y fresco, sereno e intenso a la vez, Kind of Blue emana una suerte de hálito que transporta a una dimensión de sensaciones incitantes, dominadas por reminiscencias y palpitaciones, lucidez y embriaguez, levedad y carnalidad, éxtasis y letargo.

El viaje a Kind of Blue tiene las siguientes estaciones:

  • So What – Miles Davis
  • Freddie Freeloader – Miles Davis
  • Blue in Green – Miles Davis
  • Flamenco Sketches – Miles Davis
  • All Blues – Miles Davis

El legado de esta obra maestra:

  • So What – Chick Corea, Ron Carter, Ndugu Chancler
  • Freddie Freeloader – Conrad Herwig, Paquito D’Rivera, Dave Valentin
  • Blue in Green – George Coleman, Ron Carter, Jimmy Cobb, Mike Stern
  • All Blues – Jim Hall, Chet Baker, Mark Egan, Dave Weckl
  • Flamenco Sketches – Joe Henderson, John Scofield, Al Foster
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La intensidad de ser.

por a las feb.22, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos

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Es uno de los grandes de la que, en palabras de Fernando Trueba es “la más excitante de las músicas”.

Michel Camilo La Quinta Disminuida

Es un virtuoso de su instrumento, es además compositor, director de orquesta y profesor. Lleva veintiún discos en su haber, además de numerosas colaboraciones con artistas de maderas tan distintas como sólidas: Adalberto Álvarez, Marc Bernstein, Ketama,  Dizzy Gillespie, Ana Belén, Patato Valdés y Bireli Lagrene, por citar algunos.

Todo lo hace con una energía extraordinaria, que se hace aún más evidente cuando toca en vivo. En el escenario, envuelve al público en un ambiente de euforia, que se recicla y reaparece, creando un círculo virtuoso de entusiasmo, que hace de cada concierto un momento formidable, por decir lo menos. Su talento, construido a base de mucho estudio, esfuerzo y una dosis extra de algo que me atreveré a llamar grandeza de espíritu, le permite abordar con maestría diversos ámbitos, como la música clásica y la música para cine. Encara con alegría todo aquello que le ha tocado ser y esa es, probablemente, la cualidad que lo distingue de los demás y que le confiere un matiz especial. Cuando le preguntan qué se siente ser uno de los genios de la música actual, con total modestia responde que se considera un hombre bendecido, que agradece vivir en este momento del tiempo.

Melómano desde la infancia, compuso su primera pieza a los cinco años y a los dieciséis ya era miembro de la Orquesta Sinfónica Nacional de su país. Para su último disco “Spirit of the Moment”, compuso ocho temas en ocho días. Con esos antecedentes, no resulta raro que haya recibido un Grammy por su doble “Live at the Blue Note”, otro por “Rhapsody in Blue” como Mejor Álbum Clásico y otro por “Spain” con el guitarrista flamenco Tomatito, además de un premio Emmy por “The Goodwill Games Theme” y una nominación al Grammy por “Triángulo”, como Mejor Álbum Instrumental de Jazz.

Michel Camilo asegura que va por más, y estamos seguros que es así, por el momento disfrutemos de los siguientes temas que son parte del recorrido musical que hicimos de la extensa y maravillosa obra de este gran pianista:

  1. From Within – Calle 54
  2. Our Love is Here To Stay – Michel Camilo Solo
  3. Manteca – A Taste Of Paquito
  4. En Mi Viejo San Juan – Hands Of Rhythm
  5. Spain – Spain
  6. El Día Que Me Quieras – Spain Again
  7. Why Not? – One More Once
  8. Not Yet – Caribe
  9. Rhapsody In Blue – Rhapsody In Blue
  10. Suite/Tropical Jam – Concerto for Piano and Orchestra
  11. Las Olas – Suntan
  12. Suite Sandrine Part V – Why Not?
  13. A Night In Tunisia – Thru My Eyes
  14. Nostalgia – Michel Camilo
  15. Descarga for Tito – Triángulo
  16. This Way Out – On Fire
  17. Nardis – Spirit Of The Moment
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Arrancando el 2010 con Clásicos Jazzeados

por a las ene.12, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos

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classics in jazzEl mundo de la música clásica no tiene porque ser antagónico respecto de otras dimensiones musicales, y el jazz en particular parece serle cercano en más de un aspecto; sobre todo a partir de la aparición de un jazz que resulta notoriamente academicista y que podría denominarse de élite, aunque ante ello merecería recordar que una parte importante de las obras que componen el repertorio clásico fueron en su origen piezas de carácter absolutamente popular. Sin embargo, es también necesario reconocer una diferencia fundamental entre ambos universos musicales, que de alguna manera marca límites hasta cierto punto irreconciliables y claras fronteras. Esta diferencia radica en el hecho de que allí donde el ideal de la música clásica reside en que el intérprete ejecute la obra en cuestión lo más fielmente posible respecto de su partitura original, el jazz se deleita en cambio incorporando variaciones de todo tipo, al punto de hacer de esta característica su perfil creativo más fuerte. Esta cualidad del mundo del jazz es la que da origen a los llamados standards, composiciones que la generalidad de los intérpretes conoce de memoria y que son ejecutados una y otra y otra vez, aunque siempre de un modo diverso, al punto de que resulte difícil hallar dos interpretaciones verdaderamente similares de un mismo standard, incluso en el supuesto de haber sido ejecutadas por un mismo músico. Por otra parte, es por todos bien conocido que el padre de la música occidental, Johann Sebastian Bach  fue el primer gran improvisador de la música. Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca y una de las cimas de la música universal y del pensamiento musical occidental, epicentro de la música occidental, y uno de los grandes pilares de la cultura universal, no sólo por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, sino también por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es el último gran maestro del arte del contrapunto y su máximo exponente. Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal.

La seducción que ejercen las obras de Bach en los músicos y en los oyentes de jazz no es caprichosa y tiene varias explicaciones. La más superficial, y también la menos convincente, es la exhibición de virtuosismo que demanda su ejecución. Pero, por otro lado, no es menos cierto que esa música parece la menos propicia para la improvisación. Aunque la improvisación colectiva del jazz temprano de Nueva Orleans era eminentemente polifónica, es evidente que el contrapunto imitativo (en el que las distintas voces repiten los mismos motivos melódicos a la manera de un canon), típico de algunas de las fugas de Bach, resulta difícilmente conciliable con la autonomía necesaria para manipular a discreción una melodía. El pianista ciego Lenie Tristano, que había recibido una formación clásica, creyó encontrar una relación de consanguinidad entre Bach y el jazz que procedía de su fascinación por la linealidad y los contrapuntos rítmicos. Su tema G Minor Complex, constituye la prueba definitiva del modo en que Tristano revisó productivamente la herencia de El clave bien temperado. Más o menos por la misma época, otro pianista formidable, Bud Powell, plasmó en su disco Bud! una referencia al barroco de la escuela bachiana en el tema Bud on Bach.

En esta sesión de La Quinta dedicamos la primera media hora del programa al barroco, para después abrir el abanico al máximo y viajar jazzeramente a través de obras del repertorio clásico desde Mozart hasta Joaquín Rodrigo, pasando por Chopin, Brahms, Grieg y Satie, entre otros.

  1. Spring  (Antonio Vivaldi) – Eddie Daniels
  2. Brandenburg Concerto Num. 3 Second Mov.  (J.S. Bach) – Hubert Laws
  3. Sinfonia 11 en Sol menor, BWV 797 (J.S. Bach) – Richard Galliano Quartet & Gary Burton
  4. Preludio y Fuga  Número 3 en Do Sostenido Mayor  (J.S. Bach) – The Swingle Singers
  5. Fugue in A Minor (J.S. Bach) – The Modern Jazz Quartet with Almeida
  6. Air On a G String (J.S. Bach) – Jacques Loussier
  7. Adagio (Wolfgtang Amadeus Mozart) – Paquito D’Rivera
  8. Nocturno en Mi Bemol Mayor (Federico Chopin) – Jaques Loussier
  9. Preludio en La Mayor Número 7 (Federico Chopin) – Leszek Mozdzer
  10. Hungarian Dance  (Johannes Bramhs) – Oscar Peterson
  11. Viva El Toro (Georges Bizet) – Barney Kessel
  12. Danse Norvegienne (Edward Grieg) – Django Reinhardt
  13. Pavane (Gabriel Faure) – Bill Evans
  14. Also Sprach Zarathustra ( Richard Strauss) – Eumir Deodato
  15. Preludio  en La Menor (Maurive Ravel) – Charlie Haden
  16. Gymnopedie (Erik Satie) – Herbie Mann
  17. Gymnopedie Número 1 (Erik Satie) – Hubert Laws
  18. Preludio Número 4 Opus 11 (Alexander Scriabin) – Chick Corea
  19. Concierto de Aranjuez (Joaquin Rodrigo) – Miles Davis
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Pasos gigantes alrededor de la medianoche

por a las oct.12, 2009, en Instrumentos, La Quinta en la Radio, Músicos

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monktraneSilenciosos, mágicos, innovadores, arriesgados, irreverentes, buscadores, son algunas de las características que podríamos atribuir a dos músicos fundamentales en la historia del jazz y de toda la música del siglo XX, Thelonious Monk y John Coltrane. Si bien tenían personalidades muy distintas, cuando Monk y Trane se unían, afloraba la magia. Ambos fueron responsables de uno de los conciertos primordiales del jazz, aquel que dieron en el Carnegie Hall un 29 de noviembre de 1957. Hoy, sin embargo, degustaremos dos temas que son absolutamente representativos de estos dos músicos y que forman parte de los grandes clásicos del jazz, Round Midnight y Giant Steps.

Round Midnight, de Thelonious Monk, es una composición llena de angularidades y asimetrías, de golpes y tensiones, como lo es toda la música de Monk, pero a la vez es el emblema de todos los emblemas, la matriz del todo, el arte de componer una melodía y de descomponerla, como la luz, onda y partícula, diluida, recuperada, alargada, concentrada, eco y silencio. Por su parte, Giant Steps con sus cambios de acorde, casi en cada tiempo, es una prueba magistral. Compuesto y grabado en 1959, es  el primer tema del disco homónimo. En su tiempo fue una canción muy innovadora, ya que cambia de tono constantemente, está interpretada en un “tempo” muy rápido y su progresión de acordes es considerablemente compleja. Con una melodía bastante sencilla que se repite dos veces, es un tema de 16 compases, en los cuales condensa no pocas dificultades. Lo más destacado es que la canción va pasando por tres tonalidades, separadas por una tercera mayor entre sí (Eb, G y B). Hasta entonces, ésta era una modulación muy poco utilizada. Cada fragmento en una tonalidad no dura más de dos compases, para pasar a la tonalidad siguiente. Más de 40 años después de que se interpretó por vez primera, todavía es un tema “temido” por muchos músicos.

Ocho versiones de cada uno, de lo más diversas, pero todas con el latido del espíritu de Monk y Trane

  1. Round Midnight – Thelonious Monk
  2. Round Midnight – Miles Davis
  3. Round Midnight – Andy Summers-Sting
  4. Round Midnight – Dexter Gordon
  5. Round Midnight – Michel Petrucciani
  6. Round Midnight – Keith Jarrett Trio
  7. Round Midnight – Maynard Ferguson
  8. Round Midnight – Wes Montgomery-Jimmy Smith
  9. Giant Steps  – John Coltrane
  10. Giant Steps – Mike Stern
  11. Giant Steps – Pat Metheny
  12. Giant Steps – Henderson/Wooten/Smith
  13. Giant Steps – Kenny Garrett
  14. Giant Steps – Gonzalo Rubalcaba
  15. Giant Steps – Paquito D’Rivera
  16. Giant Steps – John Patitucci.
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