La Quinta Disminuida

Tag: Gary Burton

Grandes compositores de standards

por a las sep.21, 2011, en La Quinta en la Radio, Músicos

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La primavera es la época del año en que se manifiestan más evidentemente los procesos del nacimiento y el crecimiento de la vida, es la época en que se inicia nuestro ciclo vital. Los chinos llaman a la Primavera “primer movimiento” (palabra que en chino coincide con el elemento Madera, como el tronco de la planta o del árbol que va creciendo) En el comienzo de la primavera ya se sienten las primeras manifestaciones de la naturaleza cuando las semillas rompen su envoltorio para crecer hacia la luz, las hojas y las flores estallan en las ramas para regalarnos ese color verde, característico de este periodo, las primeras flores en los árboles. El movimiento de la primavera es ascendente y hacia el exterior. Muchos dicen que esta cualidad del movimiento en la primavera define también la influencia del elemento madera en la personalidad humana y se refleja en la capacidad de las personas para planificar su vida y tomar sus propias decisiones. En esta sesión de la quinta y en este primer día de primavera en este lado del mundo quiero compartir con ustedes una sesión dedicada a cuatro grandes compositores de standards del jazz. Con esta pequeña introducción todo parece indicar que nos espera una sesión profunda y romántica, así que les recomiendo que por si acaso tengan a mano una copa de vino tinto u otra bebida espirituosa, y por supuesto, una excelente compañía.

  1. Bewitched – Brad Mehldau
  2. My Funny Valentine – Carmen McRae
  3. I Could write a book – Miles Davis
  4. My Romance – Tony Bennett
  5. It’s easy to remember – John Coltrane
  6. How deep is the ocean – Diana Krall
  7. Cheek to Cheek – Ahmad Jamal
  8. I’m putting all my eggs in one basket – Ella Fitzgerald and Louis Armstrong
  9. Remember – Montgomery Brothers
  10. Best things happen while – Kurt Elling
  11. I’ve got you under my skin – Frank Sinatra
  12. I Love You – Mike Stern
  13. What is this thing called love -Bobby Mc Ferrin y Herbie Hancock
  14. I Love Paris – Steve Khan
  15. Night and Day – Billie Holiday
  16. Summertime – Shirley Horn
  17. I got rhythm – Bireli Lagrene
  18. But not for me – Chucho Valdes
  19. Soon – Gary Burton
  20. I loves you, Porgy – Nina Simone
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El sonido más bello después del silencio

por a las feb.21, 2011, en La Quinta en la Radio, Músicos, Personajes del Jazz

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ECM es un sello discográfico que se ocupa de una “sencilla” premisa: entregarse fielmente a la música y responder con imaginación a todo lo que esta suscita. Su productor, Manfred Eicher, provoca que el sello este siempre en constante evolución. Con más de mil discos a sus espaldas, le asalta la misma pregunta que a tantos y tantos improvisadores de todo el planeta: “¿Y ahora qué?”. Y el viaje prosigue, sesión a sesión, disco a disco, rumbo al horizonte, y a través de la siempre sorprendente y variada orografía que compone esta suerte de “paisaje audible”.

Manfred Eicher, nacido en 1943 en la ciudad alemana de Lindau, no seguía, al principio, un gran plan; simplemente tenía una vaga idea del sonido que anhelaba en tanto que músico europeo que había llegado al jazz a través de la música de cámara. También le apasionaban el cine, las artes visuales y la literatura, elementos que encajarían perfectamente en su trabajo en ECM, la compañía que en 1969 fundó en Munich junto con el empresario local Karl Egger. Cuando se le pregunta si tenía algún modelo válido en términos de sonido y repertorio cuando creó ECM, el dice: “Siempre he creído que el sonido del Kind Of Blue de Miles, y más concretamente el del piano de Bill Evans, era uno de los mejores modelos. Los músicos, el equipo de ingenieros y Teo Macero en las labores de producción supieron dar con un sonido que me encantaba”

“El sonido más bello después del silencio” es la premisa para los discos del sello ECM, que goza de gran vitalidad después de 42 años de trabajo principalmente por el involucramiento absoluto de Eicher. Su compromiso es tan profundo hasta el punto inclusive que ayuda a modelar la música y el sonido de los artistas que graban en su sello. Su manera de entender la música no pasa necesariamente siempre por la partitura, es solo una pauta, una guía principal, como el mismo reconoce: “como bien sabemos, la música empieza cuando los músicos se encuentran frente al micrófono. En ese  momento, te conviertes en el primer oyente. Es una situación muy íntima. En la psicología de una grabación también intervienen el contacto visual, las palabras y como las pronuncias. No hay dos sesiones idénticas. Tiene mucho que ver con tus reflejos, con cómo escuchas junto a otras personas en una misma sala, con escuchar y compartir lo mismo, o respirar al son de las mismas pausas, frases o intervalos. A veces, es así de sencillo, y son momentos inolvidables.

Durante buena parte de los años setenta, el jazz siguió adelante a trancas y barrancas, y tuvo que lidiar en más de una ocasión con cuestiones relacionadas con su propia identidad o con la percepción que de esa música se tenía. Aunque un gran número de talentosos músicos estaban creativamente comprometidos con el jazz, no compartían un fin intelectual común. Sin embargo, con el paso del tiempo se ha hecho más y más evidente que una de las fuerzas que aglutinaba la actividad jazzística en Norteamérica -a principios de los años setenta- tenía su origen en Munich, pues el sello ECM cultivaba y difundía algunos de los mejores trabajos, y también de los más imperecederos de esa época convulsa, trabajos que resistían el paso del tiempo. A diferencia de la industria discográfica jazzista norteamericana, que se ha caracterizado fundamentalmente por una relativa volubilidad, ECM ha sido una fuente de estabilidad, de coherencia en términos de presentación –tanto musical como visual o sonora- y de enfoque artístico.

En esta sesión de la quinta, resaltamos ese trabajo pulcro y delicado que realiza ECM, a través de las grabaciones de algunos de los más importantes músicos que confiaron su arte a este sello alemán.

  1. Once I Dreamt a Tree Upside Down – Jan Garbarek
  2. Sun Bay – Enrico Rava/Stefano Bollani
  3. An Evening With Vincent Van Ritz – Eberhard Weber
  4. Lovely Walk – Manu Katche
  5. You and Me – Zakir Hussain
  6. Kattorna – Tomasz Stanko
  7. Druid’s Circle – John Surman
  8. Tramp Blues – Miroslav Vitous
  9. And Zero – Egberto Gismonti
  10. My Song – Keith Jarrett
  11. Ralphs Piano Waltz – John Abercrombie
  12. Blue Midnight – Paul Motian
  13. I’m Your Pal – Gary Burton/Chick Corea
  14. Jamala – Gateway
  15. Bright Size Life – Pat Metheny
  16. Black Butterfly – Charles Lloyd
  17. Time Being – Peter Erskine
  18. Palhaco – Charlie Haden
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Cien años de jazz.

por a las dic.27, 2010, en La Quinta en la Radio

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La historia formal del jazz comienza con la música del Congo occidental y se desarrolla hasta llegar a ser un estilo en Nueva Orleans, alrededor del inicio del siglo XX. El contraste que encontramos entre la música percusiva de África y el jazz de Nueva Orleans es sorprendente, no tanto porque estas músicas sean iguales; son similares en algunas formas básicas, pero en otras no lo parecen. Sin duda el jazz se toca con instrumentos melódicos europeos y ha tomado prestadas la melodía y la armonía de la música europea. Sin embargo, la gran diferencia está en el ritmo. La música del Congo es tan especial y rítmicamente tan compleja como para hacer parecer al jazz música de niños y, en el caso de sus intérpretes , aún más torpe que la interpretación de un niño.

Hay un punto de vista que sostiene que Armstrong trabajó el orden melódico y rítmico del jazz y lo salvo del caos y la vulgaridad. Puede ser.  Y, a causa de su notable frescura ,pudo haberse dado de esta manera en los años 20’s. Empero, realmente una tradición honorable y por lo tanto generalmente estética y triunfal lo precedió y le preparó el camino.

…cuando nuevas tendencias del jazz se han aproximado a la complejidad rítmica de la música africana, la historia del jazz representa una aparición continua de ideas melódicas y rítmicas. La magnitud de estas importantes innovaciones y su influencia es básicamente rítmica y lo demuestran sus frases, el ritmo melódico, al igual que las percusiones. Es como si la música necesitara renovar constantemente su vitalidad rítmica conforme cambian su melodía y su armonía. Cada paso proporciona al jazz la oportunidad de ampliar su lenguaje rítmico y armónico, al mismo tiempo que conserva sus necesidades fundamentales y su concurrencia emocional con la vida contemporánea. (Martin Williams: La tradición del jazz, breve historia del jazz a través de sus personajes sobresalientes)

En esta sesión de La Quinta Disminuida quiero tratar de llevarlos por un viaje alrededor de una gran cantidad de estilos, que van desde principios del siglo XX hasta la actualidad, y para que al final de estas dos horas podamos tener la información suficiente acerca de los mismos y poder sacar nuestras propias conclusiones de lo que es el Jazz. Ojo!!! la rigurosidad histórica la dejo para los estudiosos profundos del jazz, yo simplemente quiero probar junto a ustedes los diferentes sabores de eso que amamos y que llamamos jazz.

  1. Dipper Mouth Blues – King Oliver’s Creole Jazz Band
  2. April in Paris – Count Basie
  3. One Sweet letter for you – Lionel Hampton Orchestra
  4. Tanga – Machito
  5. Au Privave – Charlie Parker
  6. Deception – Miles Davis
  7. So danco Samba – Stan Getz/Joao Gilberto
  8. Four on Six – Wes Montgomery
  9. Blue in Green – Miles Davis
  10. Song – Cecil Taylor
  11. Round Trip – Ornette Coleman
  12. Vashkar – The Tony Williams Lifetime
  13. Señor Mouse – Chick Corea/Gary Burton
  14. Feels so Good – Chuck Mangione
  15. Que voces son esas – Chano Dominguez
  16. Air on a G String – Jacques Loussier Trio
  17. Fortitude and Chaos –  Steve Coleman
  18. Dark side of the cog – Incognito
  19. Check Blast – Chick Corea Electric Band

A todos los seguidores de La Quinta Disminuida, les deseo un felíz 2011… lleno de JAZZ.

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Jazz standards de un EGOT

por a las jul.26, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos, Personajes del Jazz

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Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, un Premio Pulitzer. El otro artista que también tiene un EGOT es el compositor norteamericano Marvin Hamlisch.

Rodgers nació un 28 de junio de 1902 en el seno de una próspera familia judía en Arverne, Queens, Nueva York. La fortuna y posición social de su familia fueron aspectos que facilitaron su ingreso al mundo artístico. Su hermano mayor, que estudiaba leyes en la universidad de Columbia, le ayudó a contactarse con Oscar Greeley Clendenning Hammerstein II, que también estudiaba leyes y con quien escribió un libreto para el Columbia Varsity Show, importante y tradicional evento de esa universidad. Otro estudiante que participaba en el show era Lorenz Hart, con quien crearían la que sería una de las más exitosas parejas de compositores, con Rodgers a cargo de la música y Hart de la letra. Este primer contacto fue el inicio de veinticinco años de una prolífica relación musical, de 1919 a 1943, año en el que el letrista falleció.

En 1927 la introducción del sonido en el cine impulsó la producción de películas musicales, gracias a lo cual varios de los musicales de Rodgers & Hart fueron adaptados como películas. Debido a su éxito, los estudios de cine de Hollywood comenzaron a contratar a los compositores de musicales de Broadway para que escriban música directamente para la pantalla gigante. Por otra parte, la depresión de la década de 1930 dificultó en gran medida el montaje de obras musicales, por lo que a partir de 1930, Rodgers y Hart comenzaron a trabajar regularmente en Hollywood, sin musicales en Broadway durante casi cinco años (1931 – 1935), lo que los impulsó a firmar un contrato con la productora Warner Brothers.

Oscar Hammerstein II, cuya familia incluye un propietario de un teatro, un productor y un empresario de ópera, asistió a la escuela de Derecho de Columbia antes de embarcarse en la carrera de libretista y letrista. Fue un autor tan fecundo que solamente pudo superarlo Irving Berlin, por la cantidad de letras de canciones que escribió. Hammerstein tuvo su primer éxito en Broadway con la opereta Rose Marie (1924) y las obras The desert song (1926) y The new moon (1928).

Su primera colaboración con Richard Rodgers fue en 1943 con la obra Oklahoma, que les hizo ganar un Pulitzer. Este musical les allanó el camino para todo el trabajo que produjeron juntos hasta 1960. En 1945 la película State Fair ganó un Oscar con la canción It Might as Well Be Spring; posteriormente, en 1949, ganaron un segundo Pulitzer con la obra South Pacific.

Entre sus más conocidos e importantes musicales están The King and I (1951), Carrousel (1945), Flower Drum Song (1958) y The Sound of Music (1959). De esta última producción, “My favorite things” es una de las piezas más hermosas jamás compuestas y que John Coltrane inmortalizaría luego en el mundo del jazz.

La primera parte de esta sesión estará integrada por temas de la dupla Rodgers & Hart, mientras que la segunda se dedicará a la fascinante producción de Rodgers & Hammerstein II.

  1. My Funny Valentine – Miles Davis  Quintet
  2. Blue Moon – Billie Holiday
  3. My Romance – McCoy Tyner
  4. Where or When – Frank Sinatra & Count Basie
  5. Bewitched – Antonio Hart
  6. It’s Easy To Remember – Karrin Allyson
  7. The Most Beautiful Girl In The World – Sonny Rollins
  8. You Are Too Beautiful – John Coltrane & Johnny Hartman
  9. Have You Meet Miss Jones – Ben Webster & Art Tatum
  10. My Favorite Things – John McLaughlin
  11. The Sweetest Sounds – Sarah Vaughan
  12. The Surrey With The Fringe On Top – Ellis Marsalis
  13. Hello Young Lovers – Mel Tormé
  14. This Nearly Was Mine – Chick Corea
  15. The Lady Is A Tramp – Ella Fitzgerald
  16. Do-Re-Mi – Gary Burton
  17. It Might As Well Be a Spring – Clifford Brown
  18. People Will Say We’re In Love – Cannonball Adderley
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Grappelli á la carte

por a las jun.02, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos

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Stéphane Grappelli es una figura esencial del jazz que se generó en Europa para luego tender puentes hacia América. De larguísima carrera, vivió 89 años, de los cuales más de setenta dedicó a la música. Siendo niño, su padre le regaló un violín, con el cual se inició tocando en las calles de París. Si bien luego estudió otros instrumentos, su espíritu se fundió para siempre con el violín.

Las biografías que existen sobre él indican que fue un destacado estudiante en el Conservatorio de París, donde decidió estudiar piano y saxo para ampliar sus conceptos armónicos y tímbricos. Nacido a principios del siglo XX, su obra y su maduración musical evolucionaron a la par de los tiempos que vivió. Comenzó a trabajar profesionalmente desde muy joven, como pianista que acompañaba películas del cine mudo, lo que le permitió convertir las imágenes en sonidos que luego llevaría a un mundo lleno de imágenes… el jazz.

En 1934 conoció al hombre que cambiaria completamente el rumbo de su vida, el gitano  Django Reinhardt, con quien fundó el quinteto “Hot Club de France”, grupo que se formó como un verdadero rito a las cuerdas. Tres guitarras, un violín y un contrabajo era una composición nunca vista hasta entonces en un quinteto jazzero. Este rito a las cuerdas daría mucho de qué hablar, con un estilo fresco y estimulante, que convertiría al jazz manouche en un camino nuevo para el desarrollo del jazz.

La fructífera relación con Django y el Hot Club fue truncada con el inicio de la primera guerra mundial, que explotó mientras el grupo se encontraba de gira en Inglaterra. El peligro obligó a Django a irse a Francia, mientras que Grappelli decidió seguir en Londres. Allí conoció y trabajó con el pianista ciego George Shearing, con quien tuvo varios años de mutua colaboración en diversos escenarios.

Finalizada la guerra, durante varios años su carrera avanzó a media fuerza. Grappelli, sin embargo, que como ser humano gozaba de un encanto y elegancia innatos, como músico tenía un talento excepcional para la improvisación, características fundamentales para ser un maestro del jazz. Ésta fue la clave que dio pie al reconocimiento que comenzó a recibir a partir de fines de la década de los sesenta, cuando finalmente comenzó a ascender. Sobre la improvisación, dijo cierta vez: “La improvisación es un misterio. Se puede escribir un libro al respecto, pero al final nadie sabe lo que es. Cuando improviso y estoy en buena forma, soy como alguien medio dormido. Se me olvida que hay gente delante de mí. Los grandes improvisadores son como sacerdotes, que están pensando sólo en su Dios”.

La vejez nunca se interpuso con su entusiasmo por la vida, que se reflejó hasta el final, en su alegre manera de tocar y pensar: “¡Retiro! No hay una palabra más dolorosa para mis oídos. La música me mantiene con vida. Me ha dado todo. Es mi fuente de la juventud”.

Su calidad humana lo impulsó siempre a compartir, por lo que gran parte de su producción musical está hecha en colaboración con diversidad de músicos,  intérpretes solistas que se sitúan en primera fila junto a su violín, para regalarnos verdaderas obras de arte, en las que el pequeño mimado de la orquesta sinfónica conversa amablemente con pianos, guitarras, vibráfonos, armónicas, saxos y cualquier otro instrumento dispuesto a crear magia, como en los siguientes temas que son parte de esta degustación musical á la carte:

  1. Nuages – Stéphane Grappelli y Django Reinhardt
  2. I Remember Django – Stéphane Grappelli y Barney Kessel
  3. Time After Time – Stéphane Grappelli y Joe Pass
  4. Isaura – Stéphane Grappelli y Baden Powell
  5. Willow Weep For Me – Stéphane Grappelli y Martin Taylor
  6. Star Eyes – Stéphane Grappelli y George Shearing
  7. How About You – Stéphane Grappelli y Oscar Peterson
  8. I Didn’t Know What Time It Was – Stéphane Grappelli y McCoy Tyner
  9. Sweet Georgia Brown – Stéphane Grappelli y Michel Petrucciani
  10. C’est Si Bon – Stéphane Grappelli y Michel Legrand
  11. Venupelli Blues – Stéphane Grappelli y Joe Vennuti
  12. I Don’t Mean a Thing – Grappelli, Smith, Asmusen, Ponty
  13. Golden Green – Stéphane Grappelli y Jean Luc Ponty
  14. French Resolution – Stéphane Grappelli y L. Subramanian
  15. A Foggy Day – Stéphane Grappelli y Yehudi Menuhin
  16. Stephane – Stéphane Grappelli y Claude Bolling
  17. Have You Meet Miss Jones – Stéphane Grappelli y Phil Woods
  18. I Concentrate On You – Stéphane Grappelli y Yo-Yo Ma
  19. Georgia On My Mind – Stéphane Grappelli y Toots Thielemans
  20. Blue In Green – Stéphane Grappelli y Gary Burton
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