La Quinta Disminuida

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El latido del jazz

por nico a las jul.26, 2011, en Instrumentos, La Quinta en la Radio

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La fecha de nacimiento de la batería se remonta a finales del año 1895 y principios del 1900, sin embargo en el año 1909 con la invención del pedal del bombo, el instrumento se populariza y comienza a ser utilizado en las bandas de ragtime. En esos años, el set de una batería estaba formado por un bombo, una caja o tambor de reboble y una placa de madera. Unos años más adelante se adiciona a este set un tambor y un pequeño platillo. Esta conformación del instrumento era usual en los grupos del estilo conocido como New Orleans Jazz, que abarca más o menos hasta el año 1928. Con la evolución hacia el swing y la era de las Big Bands, la batería incorporó en su set a un elemento fundamental conocido como hi-hat, que se convirtió en la base del acompañamiento sustituyendo en esas funciones a la caja y teniendo además la ventaja de permitir la apertura y el cierre a través de un mecanismo de pedal generando de esta manera un contacto entre dos platillos que se podían utilizar en combinación con el golpe de las baquetas. También se adicionó al set de la batería un timbal, o tambor de piso, el cual algunos bateristas usaban como elemento central para el acompañamiento y los solos.

El período en el que la batería alcanzó su más alto nivel de desarrollo fue en el bebop, en el cual se completa el set tal cual lo conocemos hoy en día, es decir bombo, caja, tambores, hi-hat y un elemento nuevo  no utilizado en su máxima dimensión hasta entonces, los platillos. De todo el set de platillos destaca sobre todo el que se conoce como ride cymbal en el cual se marca el tiempo con el característico swing, jugando con los contratiempos en el bombo y la caja. Con todas estas herramientas la batería ya comienza a perfeccionar los brakes y los solos con los que logra independizarse de su rol de simple acompañamiento. De ahí en adelante, el hard-bop, el cool, el free, la fusión y otros estilos definieron el nuevo rol de la batería, que sin embargo a pesar de la evolución de este instrumento en la forma y en el fondo, siempre mantuvo su carácter primigenio del latido, del pulso, hasta cierto punto del alma del jazz.

Comparto con todas y todos ustedes este programa de La Quinta Disminuida, emitido hace ya bastante tiempo pero que aún no estaba en la bloggosfera, que lo disfruten… si lo se, faltan muchos bateros imprescindibles, excelente motivo para hacer otro programa dedicado a la batería.

  1. C Jam Blues
  2. St. Thomas
  3. Take the Coltrane
  4. Question & Answser
  5. Oleo
  6. Gambia
  7. Anxiety/Taurian Matador
  8. Dotcom-Bustion
  9. Egyptian Danza
  10. Pachamama
  11. Softly as in the Morning Sunrise
  12. The Chicken
  13. D.B.D.
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…perpetuo cambio

por nico a las abr.06, 2011, en La Quinta en la Radio, Músicos

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La primavera es la época del año en que se manifiestan más evidentemente los procesos del nacimiento y el crecimiento de la vida, es la época en que se inicia nuestro ciclo vital.

Los chinos llaman a la Primavera “primer movimiento” (palabra que en chino coincide con el elemento Madera, como el tronco de la planta o del árbol que va creciendo) En el comienzo de la primavera ya se sienten las primeras manifestaciones de la naturaleza cuando las semillas rompen su envoltorio para crecer hacia la luz, las hojas y las flores estallan en las ramas para regalarnos ese color… verde, característico de este periodo, las primeras flores en los árboles. El movimiento de la primavera es ascendente y hacia el exterior. Muchos dicen que esta cualidad del movimiento en la primavera define también la influencia del elemento madera en la personalidad humana y se refleja en la capacidad de las personas para planificar su vida y tomar sus propias decisiones.

Con el invierno llega la calma y la quietud. Desde todas las culturas, al frío, la oscuridad, lo profundo, lo interior y las emociones desconocidas, nos producen una sensación que por momentos bordea el miedo. El invierno hace referencia a la mayor oscuridad y a la necesidad de concentrar las energías hacia el Interior,  la naturaleza se despoja de todo lo externo las hojas y las flores, mientras que la savia sigue corriendo en su interior y en las profundidades de la tierra a través de las raíces y las semillas.

El invierno no puede entenderse sin la primavera, así como la primavera necesita del invierno para alcanzar su real sentido. “Debajo de la nieve más profunda, el secreto de una rosa, es simplemente que lo sabe. Debemos creer en la primavera, a pesar de sentir un vacio en esta época, un árbol tiene la certeza que sus hojas volverán a aparecer”

  1. You Must Believe In Spring – Bill Evans/Tony Bennett
  2. April In Paris – Frank Sinatra
  3. Spring Ain’t Here – Pat Metheny Group
  4. Why Spring Ain’t Here – Michael Franks
  5. I Remember April – Charlie Parker
  6. April in My Heart – Billie Holiday
  7. Spring – Michel Colombier
  8. It Might as Well Be Spring – Nina Simone
  9. Blackberry Blossoms – Abbey Licoln
  10. Blackberry Winter – Keith Jarrett
  11. Thought Of A First Spring Day – Didier Lockwood
  12. Last Winter – Carmen McRae
  13. Some Other Spring – Ben Webster
  14. Grey December – Chet Baker
  15. Primavera Porteña – Astor Piazzolla
  16. Invierno Porteño – Astor Piazzolla
  17. Winter – Edward Simon
  18. Winter Sun – Esperanza Spalding
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El Olimpo del Jazz

por nico a las feb.14, 2011, en La Quinta en la Radio, Músicos

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Los dioses de la Grecia antigua vivían en la cima del monte Olimpo, el pico más alto de toda Grecia. Más tarde, la morada fue concebida como ubicada en los cielos. Desde el Olimpo los dioses ejercían su vigilancia sobre el mundo, pero también amaban, luchaban o se dedicaban a entorpecer la vida de los mortales de acuerdo a su voluntad.

Destronado Cronos y vencidos los Titanes, Zeus pudo ejercer todo su poder instalado en el Olimpo. Poseidón, Hera, Demeter, Hestia, eran como él, hijos de Cronos y Rhea. Otros como Athenea, Apolo y Artemisa, eran sus hijos o nietos. Todos formaban una verdadera ciudad organizada en correspondencia con la organización política de las ciudades griegas.

Los dioses tenían cuerpos humanos, pero más grandes y fuertes, más hermosos y no les alcanzaba la vejez ni la muerte. Se alimentaban de ambrosía, y podían transformarse, cambiando de apariencia, a su voluntad. Como los hombres, pensaban y tenían ideas, amaban, odiaban; tenían envidia, celos y padecían dolores. No se caracterizaban por ser imparciales ni justos; sino que hacían objeto de su cólera a los mortales que los ofendían.

En esta sesión de La Quinta Disminuida hacemos un homenaje a los músicos incontestables del Olimpo del jazz. Con toda seguridad que muchos quedaron fuera, otros estaban a punto de entrar pero se insumieron en el inframundo jazzero y algunos definitivamente son “dioses menores”. Pero creo que existe un consenso general en que todos los escogidos para esta sesión merecen estar en el Olimpo, donde Bird es Chronos, Miles es Zeus, Billie es Gea y tal vez Mingus sea Poseidón.

Por otra parte, los temas elegí para que cada uno muestre su poder son standards del jazz, pero no “cualquier” standard, sino los veinte más conocidos y votados según el sitio jazzstandards.com

Los invito a que disfruten de este programa, para después conformar su propio Olimpo, mi elección fue la siguiente:

  1. Body and Soul – Billie Holiday/Ben Webster/Harry”Sweets” Edison/Barney Kessel
  2. All The Things You Are – Parker/Dizzy/Mingus/Powell/Roach
  3. Summertime – Art Blakey/Sonny Sttit/McCoy Tyner
  4. Round Midnight – Miles Davis/John Coltrane/Paul Chambers/Red Garland/Philly Joe Jones
  5. I Can’t Get Started – Michel Petrucciani/Stéphane Grapelli/Roy Haynes
  6. My Funny Valentine – Carmen McRae
  7. Loverman – Chet Baker
  8. What Is This Thing Called Love – Sarah Vaughan
  9. Yesterdays – Lennie Tristano
  10. Stella By Starlight – Stan Getz
  11. Autum Leaves – Bill Evans/Scott LaFaro/Paul Motian
  12. Stardust – Coleman Hawkins/Django Reinhardt
  13. Willow Weep For Me – Louis Armstrong/Oscar Peterson
  14. What’s New – Wes Montgomery/Wynton Kelly
  15. Honeysuckle Rose – Ella Fitzgerald/Count Basie/Quincy Jones
  16. Sweet Georgia Brown – Bud Powell/Ray Brown/Max Roach
  17. Caravan – Thelonious Monk/Oscar Pettiford/Kenny Clarke
  18. The Man I Love – Lester Young/Nat King Cole
  19. In A Sentimental Mood – Duke Ellington/John Coltrane
  20. St. Louis Blues – Art Tatum
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El maestro vienés de los teclados

por nico a las ago.10, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos

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Joe Zawinul fue uno de los músicos de jazz más influyentes del siglo XX, fue pionero en el uso de instrumentos electrónicos y quizás el primero en usar un piano eléctrico. Sus primeras grabaciones, sin embargo, y sus participaciones como acompañante fueron con el piano acústico y bajo esquemas vinculados al “jazz standard”.

La sesión de hoy estará dedicada íntegramente a este gran músico, pianista, tecladista y compositor, nacido en Viena un 7 de julio de 1932 y fallecido el 11 de septiembre de 2007.

La historia comenzó cuando, un día de esos, en los que por instantes la magia se apodera de nuestras decisiones, Joe leyó un anuncio en una de las pocas revistas especializadas en jazz que llegaban a Viena. Se anunciaban becas de estudio en la prestigiosa Berklee School of Music, en Boston; sin más, envió su solicitud y fue admitido. Fue así que un 2 de enero de 1959 tomó un barco que después de cinco días de viaje a través del Atlántico, lo llevó al nuevo mundo. Una pequeña maleta, su beca de estudio y 800 dólares en el bolsillo era todo lo que llevaba. “Sabía que no iba a ser fácil, no tenía parientes y no conocía absolutamente a nadie en Norte América”, comentó años después. Al llegar a Nueva York, una de sus primeras paradas fue en el famoso club Birdland, lugar que se convertiría en su primera imagen del jazz en esa ciudad. A partir de ese momento el Birdland tuvo un significado especial que lo acompañaría a lo largo de su vida. No sólo era un símbolo de su llegada al corazón del jazz, sino que además fue ahí donde conoció a su esposa, Maxine, con quien compartiría más de 40 años de matrimonio y la crianza y educación de tres hijos, Anthony, Erich e Iván.

Su estadía en la escuela de Berklee fue breve, pues comenzó a trabajar en el ambiente jazzístico acompañando al trompetista Maynard Ferguson y a la cantante Dinah Washington, aunque fue en el otoño de 1961 que su toque al piano encontró un asidero, al unirse a una figura fundamental, como era Cannonball Adderley, el saxofonista con el que permaneció durante casi diez años.

La relación entre Cannonball Adderley y Joe Zawinul fue muy fructífera, no sólo en el plano musical, sino también en el personal. Fue una relación que se fortalecía por los constantes viajes que el grupo realizaba para sus presentaciones dentro los Estados Unidos de Norteamérica, que normalmente hacían en automóvil. Zawinul comentó cierta vez: “como yo era un inmigrante, Cannonball era mi familia, él fue mi padrino de matrimonio, les regaló bicicletas a mis hijos, era un gran amigo… en verdad era más que un amigo… era como un hermano para mí, años después de su muerte, siempre hablo de él con mi esposa… casi todos los días”.

Su crecimiento y desarrollo como un verdadero solista comenzó por el año 1967, período en el que el sonido de Zawinul ya desprendía rasgos de un aire absolutamente personal. Esto, junto a un perfeccionamiento de su técnica bajo el tutelaje de Raymond Leventhal,  quien lo embarcó en una rigurosa práctica, convertiría a Zawinul en un intérprete reconocido en todo tipo de música. Leventhal comentó que su discípulo estaba preparado para encarar cualquier obra de la música de tradición escrita, desde Bach hasta Rachmaninof.

El reconocimiento que Zawinul comenzó a adquirir en el mundo musical llegó a los oídos de Miles Davis, quien además estaba intrigado por el sonido del piano eléctrico, que Zawinul dominaba. Miles asistió a varias presentaciones y conciertos del grupo de Cannonball para oír cómo se adaptaba el sonido de un piano eléctrico, al saxo y a la trompeta y llegó al absoluto convencimiento de que el camino que quería seguir era el eléctrico. Fue así que a finales de los años sesenta comenzó a imaginar el nuevo sonido de su música.

A Miles, sin embargo, no solamente le interesaba el sonido de Zawinul en el piano eléctrico, también admiraba su estilo de composición, por lo que en el invierno de 1968 lo invitó a formar parte de su banda, que sería la responsable de plantar las semillas que iniciarían el camino del jazz-rock, con obras del tamaño de In a Silent Way y Bitches Brew.

Luego de ese periodo fundamental para su carrera y para el jazz, en general, Joe Zawinul formó uno de los grupos más importantes del jazz-rock como fue Weather Report, para reinventarse después con el Zawinul Syndicate y desarrollar una carrera solista que logró sorprender en cada disco que llegó a editar.

Nuestro viaje comienza en 1958 y termina en 2007, a lo largo de diez y ocho estaciones, siempre con Jozy en las teclas.

  1. Easy Leaving
  2. Come On Home
  3. Scotch And Water
  4. Come Sunday
  5. Mercy, Mercy, Mercy
  6. The Soul Of a Village
  7. In a Silent Way
  8. His Last Journey
  9. Eurydice
  10. Black Market
  11. Birdland
  12. They Had A Dream
  13. Slivovitz Trail
  14. Mountain Waters
  15. Three Postcards
  16. Two Lines
  17. Night Passage
  18. Orient Express
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Jazz standards de un EGOT

por nico a las jul.26, 2010, en La Quinta en la Radio, Músicos, Personajes del Jazz

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Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, un Premio Pulitzer. El otro artista que también tiene un EGOT es el compositor norteamericano Marvin Hamlisch.

Rodgers nació un 28 de junio de 1902 en el seno de una próspera familia judía en Arverne, Queens, Nueva York. La fortuna y posición social de su familia fueron aspectos que facilitaron su ingreso al mundo artístico. Su hermano mayor, que estudiaba leyes en la universidad de Columbia, le ayudó a contactarse con Oscar Greeley Clendenning Hammerstein II, que también estudiaba leyes y con quien escribió un libreto para el Columbia Varsity Show, importante y tradicional evento de esa universidad. Otro estudiante que participaba en el show era Lorenz Hart, con quien crearían la que sería una de las más exitosas parejas de compositores, con Rodgers a cargo de la música y Hart de la letra. Este primer contacto fue el inicio de veinticinco años de una prolífica relación musical, de 1919 a 1943, año en el que el letrista falleció.

En 1927 la introducción del sonido en el cine impulsó la producción de películas musicales, gracias a lo cual varios de los musicales de Rodgers & Hart fueron adaptados como películas. Debido a su éxito, los estudios de cine de Hollywood comenzaron a contratar a los compositores de musicales de Broadway para que escriban música directamente para la pantalla gigante. Por otra parte, la depresión de la década de 1930 dificultó en gran medida el montaje de obras musicales, por lo que a partir de 1930, Rodgers y Hart comenzaron a trabajar regularmente en Hollywood, sin musicales en Broadway durante casi cinco años (1931 – 1935), lo que los impulsó a firmar un contrato con la productora Warner Brothers.

Oscar Hammerstein II, cuya familia incluye un propietario de un teatro, un productor y un empresario de ópera, asistió a la escuela de Derecho de Columbia antes de embarcarse en la carrera de libretista y letrista. Fue un autor tan fecundo que solamente pudo superarlo Irving Berlin, por la cantidad de letras de canciones que escribió. Hammerstein tuvo su primer éxito en Broadway con la opereta Rose Marie (1924) y las obras The desert song (1926) y The new moon (1928).

Su primera colaboración con Richard Rodgers fue en 1943 con la obra Oklahoma, que les hizo ganar un Pulitzer. Este musical les allanó el camino para todo el trabajo que produjeron juntos hasta 1960. En 1945 la película State Fair ganó un Oscar con la canción It Might as Well Be Spring; posteriormente, en 1949, ganaron un segundo Pulitzer con la obra South Pacific.

Entre sus más conocidos e importantes musicales están The King and I (1951), Carrousel (1945), Flower Drum Song (1958) y The Sound of Music (1959). De esta última producción, “My favorite things” es una de las piezas más hermosas jamás compuestas y que John Coltrane inmortalizaría luego en el mundo del jazz.

La primera parte de esta sesión estará integrada por temas de la dupla Rodgers & Hart, mientras que la segunda se dedicará a la fascinante producción de Rodgers & Hammerstein II.

  1. My Funny Valentine – Miles Davis  Quintet
  2. Blue Moon – Billie Holiday
  3. My Romance – McCoy Tyner
  4. Where or When – Frank Sinatra & Count Basie
  5. Bewitched – Antonio Hart
  6. It’s Easy To Remember – Karrin Allyson
  7. The Most Beautiful Girl In The World – Sonny Rollins
  8. You Are Too Beautiful – John Coltrane & Johnny Hartman
  9. Have You Meet Miss Jones – Ben Webster & Art Tatum
  10. My Favorite Things – John McLaughlin
  11. The Sweetest Sounds – Sarah Vaughan
  12. The Surrey With The Fringe On Top – Ellis Marsalis
  13. Hello Young Lovers – Mel Tormé
  14. This Nearly Was Mine – Chick Corea
  15. The Lady Is A Tramp – Ella Fitzgerald
  16. Do-Re-Mi – Gary Burton
  17. It Might As Well Be a Spring – Clifford Brown
  18. People Will Say We’re In Love – Cannonball Adderley
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