La Quinta Disminuida

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En la iconografía musical de principios de los años 50, el jazz de Charlie Parker y Dizzy Gillespie era equivalente al átomo, ya que contenía una enorme cantidad de potencia comprimida en un envase pequeño. Y como el átomo, la rotura o la fisión del Bebop, llevada a cabo por los músicos de jazz de los 50, liberó un inesperado torrente de energía. Esa energía generó una explosión de creatividad y excelencia artística que eclipsa a todas las otras de la historia del jazz; una era dorada en la que los herederos del Bebop produjeron colectivamente una asombrosa variedad de música. Los 50 vieron crecer y ocupar el candelero a docenas de músicos importantes que incluían a Miles Davis y Chet Baker, John Coltrane y Sonny Rollins, Dave Brubeck y Bill Evans, Jimmy Smith y Horace Silver, Art Blakey y Max Roach, Gerry Mulligan y Stan Getz, que cuando exploraron y expandieron el material que contenía esa partícula llamada Bebop, las implicaciones del lenguaje se hicieron evidentes y concretas. Resulto que el diminuto átomo  contenía partículas aún más pequeñas, cada una con características distintas, el Cool y el Hard Bop.

El lenguaje conocido como Hard Bop, se parecía bastante al Bebop, solo que visto desde una perspectiva nueva en la que los músicos mantuvieron la esencia de la lengua materna, pero calmaron los ritmos más frenéticos y le devolvieron a la música una emotividad terrena, característica que se les había escapado a los boopers en su búsqueda de reconocimiento como “artistas” más que como “animadores”. El Hard Bop enfatizó el ritmo, buscando mayor intensidad sonora, con un aporte de blues con texturas más oscuras y líneas improvisadas cortas. En cambio el Cool, rompió con los tempos acelerados, los estallidos de intensidad, y las demostraciones de virtuosismo llegaron a su fin, pero sobre todo, y más allá de características musicales, el Cool, suave, sensual y aterciopelado, expresó una pose de aparente indiferencia que fue muy bien recibida por los adolescentes y adultos jóvenes de los años 50. En vez de extraversión, el Cool exhibió introspección, donde los músicos de esta escuela defendían el valor de la contención, manteniendo una ligera distancia entre sí mismos y las emociones que yacían debajo de la música. En términos específicos, prefirieron una interacción cerebral entre los instrumentos melódicos, en la que la sección rítmica no abunda con acentos incendiarios que empleaban los bateristas del Hard Bop. En la escuela Cool, los músicos estaban a favor de tonos planos y asordinados, prácticamente sin utilizar el vibrato.

Esta sesión es una especie de mousse de chocolate y vainilla, preparado con raciones similares de Cool y Hard que les aseguro que no les producirá ningún empalagamiento.

1. Boplicity – Miles Davis
2. Take Off – Miles Davis
3. Wow – Lennie Tristano, Lee Konitz, Warne Marsh
4. Blues Walk – Clifford Brown, Max Roach
5. My Funny Valentine – Gerry Mulligan Quartet c/ Chet Baker
6. St. Thomas – Sonny Rollins
7. Lullaby of Birdland – George Shearing
8. Abdulah – Elmo Hope
9. Take Five – Dave Brubeck
10. The Preacher – Horace Silver & The Jazz Messengers
11. Let’s Gets Lost – Chet Baker
12. Limehouse Blues – Cannoball Adderley & John Coltrane
13. Django – The Modern Jazz Quartet
14. Long Green  – Donald Byrd
15. Stella By Starlight – Stan Getz
16. Heavy Dipper – Lee Morgan
17. Walkin’ Shoes – Art Pepper
18. Moanin – Art Blakey & The Jazz Messengers

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El jazz inicialmente ocupó los salones de baile, en los que las Big Bands invitaban a todos los asistentes a mover el cuerpo, posteriormente con la revolución del Bebop, los grupos se volvieron más pequeños y se ubicaron en locales en los cuales los asistentes además de prestar atención a las interpretaciones de los músicos, podían consumir un buen vino o fumarse un cigarrillo. En ese ambiente, la magia de la música se combinaba perfectamente, con los aromas del vino y con el humo del tabaco. El Village Vanguard, el Birdland, el Onix, el Three Deuces eran los templos sagrados del jazz, en los que todos los rincones estaban impregnados de música. Esa magia íntima, en la que uno además de temblar con cada improvisación es testigo del mensaje corporal de los músicos, de sus miradas muchas veces al vacio, otras veces a sus compañeros y por supuesto al público que queda solazado ante el más mínimo guiño. La recuperación de esos momentos a través de grabaciones históricas como aquella del domingo 25 de junio de 1961, nos permiten cerrar los ojos para imaginarnos esos momentos. Pero los músicos también tocaron -y tocan- en teatros y auditorios diseñados especialmente para que el sonido no se escape por la más mínima fisura,  y si hay uno que está considerado como el poseedor de la mejor acústica del planeta, ese es el Carnegie Hall,  que  por sí solo ya es un instrumento.

Es una de las edificaciones más grandes de Nueva York. Construido totalmente en piedra, inicialmente sin estructuras de acero. El exterior está hecho con ladrillos estilo romano de color ocre y con detalles en terracota. El salón de la entrada evita las exageraciones del barroco y está inspirado en la elegancia del estilo florentino. Andrew Carnegie fue el hombre que financió el edificio, que se comenzó a construir en 1890. Aunque el edificio estaba en uso desde abril de 1891, la inauguración oficial fue la noche del 5 de mayo, con un concierto conducido por Piotr Ilich Tchaikovsky.

Desde su creación, la mayoría de los grandes intérpretes de la música clásica han tocado en el Main Hall, sin embargo este espacio también se abrió a la música popular, y el jazz era una música muy popular a finales de los años veinte y durante los treinta, es entonces cuando un 16 de enero de 1938 la orquesta de Benny Goodman volteó la taquilla, y habitó una sala de conciertos en vez de un salón de baile, a pesar de ello, si bien todo el público permaneció sentado en sus butacas, no pudo evitar llevar el ritmo con el movimiento de los pies. A partir de entonces, los grandes nombres del jazz consagraron al Carnegie Hall con la música más democrática del mundo.

Las grabaciones que gobiernan las dos horas de jazz en nuestro programa dedicado al Carnegie Hall son las siguientes:

1. Don’t Be That Way – Benny Goodman
2. A Night In Tunisia – Dizzy Gillespie & Charlie Parker
3. All Good Children Got Rhythm – Bud Powell Trio
4. Long Island Sound – Stan Getz Quartet
5. Ornithology – Charlie Parker
6. Lester’s Blues – Oscar Peterson
7. Don’t Explain – Billie Holiday
8. Bye-ya – Thelonious Monk y John Coltrane
9. Someday My Prince Will Come – Miles Davis
10. O Barquinho – Roberto Menescal
11. Three To Get Ready – Dave Brubeck
12. I Loves You, Porgy – Nina Simone
13. Corcovado – Joao Gilberto, Stan Getz, Astrud Gilberto
14. Line For Lyons – Gerry Mulligan y Chet Baker
15. Take Five – George Benson
16. Crazy Rhythm – Stephanne Grappelli
17. Turn Out The Stars – Herbie Hancock y John Mc Laughlin
18. How Insensitive – Tom Jobim y Pat Metheny
19. Now’s The Time -Hardgrove,Johnson,McLean,Henderson,Burrell,Hancock,Jones
20. My Song – Keith Jarrett

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Quienes amamos la música asociamos todo, o casi todo con ella. Relacionamos canciones, sonidos y melodías con momentos de la vida a los cuales regresamos cuando los volvemos a escuchar, recordando cada detalle de esos instantes.

Un hábito bastante melómano, por ejemplo, es compilar temas “esenciales”, aquellos que son parte de la banda sonora de nuestra vida. Pensaba hoy que, definitivamente, los momentos más importantes de mi vida han estado marcados por una canción o un tema determinado y, probablemente, es algo que le sucede a muchos.

El poder de evocación de la música es infinito y se vincula siempre a una circunstancia, a una emoción, a una vivencia. Es casi tan poderosa como su capacidad de emocionar.

Hoy, sin embargo, quiero que me acompañen a explorar el otro lado de la historia… es decir, las circunstancias, características, anécdotas, recuerdos y demás aspectos que fueron parte del proceso de una grabación o de una presentación en vivo. En el jazz, por sus características de espontaneidad, hay siempre muchísimo que contar. Pero no es solamente la espontaneidad y la libertad que bañan al jazz  las que lo favorecen con eventualidades y ocurrencias que pasan a la historia como verdaderos bocadillos, para ser recordados una y otra vez. Es la condición del artista, esa casta -muchas veces perversa- a la que pertenecen, sin buscarlo, quienes nacen con el sino de crear, imaginar y lograr la genialidad y el virtuosismo desde lo más recóndito de su humanidad. Los músicos y particularmente los músicos de jazz, los auténticos, a los que la música les sale por los poros, como un instinto animal que hay que dejar fluir a riesgo de la propia autodestrucción, son seres atípicos, cuya sensibilidad no conjuga con la racionalidad, van por sendas en las que se guían por luces y sombras que solamente ellos vislumbran, buscando constantemente algo que también sólo ellos llegan a conocer, o no.

1. Stan’s Blues – Stan Getz
2. You and the night and the music – Bill Evans Trio Featuring Stan Getz
3. First Song – Stan Getz
4. Blues No 2 – Miles Davis
5. The Man I Love – Miles Davis
6. Epistrophy – Thelonious Monk
7. Dancing in the Dark – Cannonball Adderley
8. Nice Little Girls – Chet Baker
9. Autumn Leaves – Chet Baker
10. Wee – Charlie Parker & Dizzy Gillespie
11. Fine and Mellow – Billie Holiday
12. All the Way – Billie Holiday
13. Don’t Worry about me – Billie Holiday

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En el año 1958 Brasil conquistaba por primera vez el título mundial de fútbol, Juscelino Kubitschek proyectaba Brasilia con las aristas y las curvas modernas de Niemeyer y João Gilberto tocaba la guitarra de una manera que nunca antes nadie lo había hecho, diferente al del samba tradicional. Hoy, Gilberto es el único miembro vivo de la santísima trinidad de la Bossa Nova que formaba junto al poeta Vinicius de Moraes y al pianista y compositor Antonio Carlos Jobim. Fue en abril de ese año que el guitarrista entró al estudio para grabar  “Cançao do amor demais” un disco de 78 revoluciones  de la cantante Elizeth Cardoso, donde el primer corte de ese álbum, Chega de Saudade, fue el manantial del genero que se convirtió en poco tiempo en el mejor legado musical del Brasil al mundo entero, y como no podía ser de otra manera, tenía la característica que engrandece al arte, era una música de mezclas. Ningún otro movimiento fue tan revolucionario en la música como la Bossa Nova. Fue realmente la gran apertura para que la música popular brasilera pueda encaminarse por una senda moderna. Criticada por algunos, la Bossa Nova fue considerada como un movimiento elitista, pero dejaría sin fundamento ese punto de vista al traer las músicas de los grandes compositores populares del pasado, presentándolos de una manera nueva con una interpretación muy personal por parte de los músicos, una cadencia más acentuada y una estructura rítmica completamente renovada. Más allá de esto, la imaginación de sus creadores daba margen a una espontaneidad literaria, a una auténtica libertad de creación, que hasta permitía “ser desafinado”.

Un tema fundamental en el surgimiento de este nuevo género musical, fue el huracán cultural que llegó después de la segunda guerra mundial, acarreando consigo una fuerte influencia de la cultura norteamericana sobre todo el mundo occidental. La música de George Gershwin, Cole Porter y Jerome Kern, el Bebop de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con sus acordes disonantes y armonías modulantes, el Cool de Chet Baker y Stan Getz con su aire relajado y frio, serían el complemento perfecto para las interpretaciones intimistas, instrumental simple y lirismo coloquial de Tom, Vinicius y João que ya venían influenciados también por el Bolero mexicano. Como en todo, la mezcla inteligente y sensible, la interculturalidad, el respeto al otro, respetándose a uno mismo, sin complejos, el aceptar lo foráneo con sabiduría y combinarlo con lo propio, son el mejor caldo de cultivo para el nacimiento de constelaciones artísticas que son un orgullo para la humanidad, el jazz, la cueca, el samba, la zamba, el blues, el caluyo, el rock, son  ejemplos que confirman aquello.

El programa de esta sesión incluye  una intensa y aguda charla con Walter Gomes acerca del Festijazz 2008 y La Paz en Bossa.

• Chega de Saudade – Elizeth Cardoso
• Chega de Saudade – Joao Gilberto
• Samba Triste – Stan Getz y Charlie Byrd
• Insensatez – Stan Getz y Luiz Bonfá
• So Danco Samba – Stan Getz y Joao Gilberto
• Garota de Ipanema – Stan Getz, Joao Gilberto, Astrud Gilberto
• Aguas de Marzo – Stan Getz, Joao Gilberto, Miucha
• One Note Samba – Herbie Mann y Tom Jobim
• Change Partners/Girl from Ipanema – Frank  Sinatra y Tom Jobim
• Agua de beber/Sei La – Vinicius,Tom,Toquinho,Miucha
• Regra Tres/Morena Flor – Vinicius,Toquinho
• Eu sei que vou te amar – Vinicius,Toquinho,Creusa
• Samba de uma nota so – David Portillo
• Berimbau – Teresa Morales
• Tulle – John Scofield
• Samba Saravah – Karrin Allyson
• Desafinado – Chick Corea,Eddie Gomez,Airto Moreira

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Septiembre  es el mes de la primavera en este lado del mundo, el mes en el que para muchos florecen los sueños sembrados, las ideas guardadas y también por supuesto florece y renace el amor. Es por eso que en este programa vamos a estar algo románticos, ojo…no romanticones o sensibleros, sino románticos profundos, y para expresar ese tipo de sentimientos el instrumento ideal es el saxo tenor, así que vamos a compartir esta sesión con los grandes saxofonistas tenores del mundo del jazz. Sin embargo para acotar un poco más la temática, vamos a limitar a que todos los temas que escuchemos sean standards del jazz, delicados, sublimes, suaves…en otras palabras… baladas. Así que prepárense para esta sesión que girará alrededor del “Los saxofonistas tenor en baladas standars”.

Los temas que puedes escuchar al bajar el programa o darle un “click” en play, son los siguientes:

1. Laura – Coleman Hawkins
2. Polka Dots and Moonbeams – Lester Young
3. I Can’t Get Starte Ben Webster
4. Smoke Gets In Your Eyes – Don Byas
5. Stairway To The Stars – Dexter Gordon
6. When I Fall In Love – Sam Rivers
7. Autumn Leaves – Zoot Sims
8. I’m Old Fashioned – John Coltrane
9. But Beautiful – Stan Getz
10. You Don’t Know What Love Is – Sonny Rollins
11. I Didn’t Know What Time It Was – Wayne Shorter
12. What’s New – Joe Henderson
13. You Go To My Head – Joe Farrell
14. Georgia – Charles Lloyd
15. My Ship – Michael Brecker
16. Imagination – Joe Lovano

Una copa de vino tinto sería ideal para disfrutar este programa al máximo.