La Quinta Disminuida

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Entre 1961 y 1976, Impulse Records exhibió orgullosamente sus colores corporativos y puso bien alto su signo de exclamación. Produjo discos cuyas fundas de colores brillantes se desplegaban de par en par, igual que un álbum, atrayendo a varias generaciones de oyentes a un excitante y variado universo de música improvisada. El sonido de sus microsurcos se crispaba con el espíritu de los años sesenta y se movía al ritmo de los experimentos musicales y la excitación política de aquellos días. Para aquellos que vivieron la época, el sello formó parte inherente de esa velocidad, avanzó al ritmo de -y a veces predijo- los sonidos y la política que todavía estaban por llegar. “El Jazz siempre ha sido un reflejo de su tiempo, hoy se producen transiciones sociales violentas, y esos cambios, que a veces provocan confusión, tienen su traducción musical” explicaba en 1966 Bob Thiele, el veterano productor discográfico que dirigió  Impulse durante la mayor parte de aquel período. Pero Impulse hizo bastante más que reflejar una época revolucionaria. Encajó perfectamente en la edad dorada del Jazz, ese breve período que abarca desde finales de los cincuenta hasta los setenta, período en el cual estaban vivos y activos más músicos de Jazz que en ningún momento anterior… o posterior.

La estrategia de Impulse Records funcionó, de hecho el Jazz encajó. La época de finales de los cincuenta demostró ser un tiempo de transición cultural. La literatura de los beats, los lienzos de los expresionistas abstractos y actores como James Dean o Marlon Brando, eran los signos más evidentes de una cultura que se preparaba para abandonar un pasado acicalado y de buenos modales, relajarse y abrazar la aventura, la juventud y la moda. El Jazz, la música que había madurado desde un pasado funcional y orientado al baile hasta convertirse en una forma de arte seria, con su propia sensibilidad ardiente, se convirtió en la banda sonora de la época (Ashley Khan: El sello que Coltrane Impulsó)

En esta sesión de La Quinta Disminuida escucharemos 18 temas de diferentes músicos, con diferentes formaciones, y diferentes intenciones, que grabaron en ese  sello discográfico entre 1961 y 1969.

1. Going, Going, Gong – Kai Windig & J.J. johnson
2. I’m Gonna Move – Ray Charles
3. Where Flamingos Fly – Gil Evans
4. Yearnin’ – Oliver Nelson
5. Song Of The Underground Rail – John Coltrane
6. For Lena And Lennie – Quincy Jones
7. Inception – McCoy Tyner
8. Self Portrait (Of The Bean) – Duke Ellington & Coleman Hawkins
9. In a Sentimental Mood – Duke Ellington & John Coltrane
10. Happy Times – Freddie Hubbard
11. Track A Solo Dancer – Charles Mingus
12. The Say It’s Wonderful – John Coltrane And Johnny Hartmann
13. I’ve Grown Accustomed To Her Face – Shirley Scott Trio
14. Naima – Archie Shepp
15. The Blue Room – Sonny Rollins
16. Raga Doll – Gabor Szabo
17. The Sun – Alice Coltrane
18. M.E. – Elvin Jones & Richard Davis

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Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, un Premio Pulitzer. El otro artista que también tiene un EGOT es el compositor norteamericano Marvin Hamlisch.

Rodgers nació un 28 de junio de 1902 en el seno de una próspera familia judía en Arverne, Queens, Nueva York. La fortuna y posición social de su familia fueron aspectos que facilitaron su ingreso al mundo artístico. Su hermano mayor, que estudiaba leyes en la universidad de Columbia, le ayudó a contactarse con Oscar Greeley Clendenning Hammerstein II, que también estudiaba leyes y con quien escribió un libreto para el Columbia Varsity Show, importante y tradicional evento de esa universidad. Otro estudiante que participaba en el show era Lorenz Hart, con quien crearían la que sería una de las más exitosas parejas de compositores, con Rodgers a cargo de la música y Hart de la letra. Este primer contacto fue el inicio de veinticinco años de una prolífica relación musical, de 1919 a 1943, año en el que el letrista falleció.

En 1927 la introducción del sonido en el cine impulsó la producción de películas musicales, gracias a lo cual varios de los musicales de Rodgers & Hart fueron adaptados como películas. Debido a su éxito, los estudios de cine de Hollywood comenzaron a contratar a los compositores de musicales de Broadway para que escriban música directamente para la pantalla gigante. Por otra parte, la depresión de la década de 1930 dificultó en gran medida el montaje de obras musicales, por lo que a partir de 1930, Rodgers y Hart comenzaron a trabajar regularmente en Hollywood, sin musicales en Broadway durante casi cinco años (1931 – 1935), lo que los impulsó a firmar un contrato con la productora Warner Brothers.

Oscar Hammerstein II, cuya familia incluye un propietario de un teatro, un productor y un empresario de ópera, asistió a la escuela de Derecho de Columbia antes de embarcarse en la carrera de libretista y letrista. Fue un autor tan fecundo que solamente pudo superarlo Irving Berlin, por la cantidad de letras de canciones que escribió. Hammerstein tuvo su primer éxito en Broadway con la opereta Rose Marie (1924) y las obras The desert song (1926) y The new moon (1928).

Su primera colaboración con Richard Rodgers fue en 1943 con la obra Oklahoma, que les hizo ganar un Pulitzer. Este musical les allanó el camino para todo el trabajo que produjeron juntos hasta 1960. En 1945 la película State Fair ganó un Oscar con la canción It Might as Well Be Spring; posteriormente, en 1949, ganaron un segundo Pulitzer con la obra South Pacific.

Entre sus más conocidos e importantes musicales están The King and I (1951), Carrousel (1945), Flower Drum Song (1958) y The Sound of Music (1959). De esta última producción, “My favorite things” es una de las piezas más hermosas jamás compuestas y que John Coltrane inmortalizaría luego en el mundo del jazz.

La primera parte de esta sesión estará integrada por temas de la dupla Rodgers & Hart, mientras que la segunda se dedicará a la fascinante producción de Rodgers & Hammerstein II.

1. My Funny Valentine – Miles Davis  Quintet
2. Blue Moon – Billie Holiday
3. My Romance – McCoy Tyner
4. Where or When – Frank Sinatra & Count Basie
5. Bewitched – Antonio Hart
6. It’s Easy To Remember – Karrin Allyson
7. The Most Beautiful Girl In The World – Sonny Rollins
8. You Are Too Beautiful – John Coltrane & Johnny Hartman
9. Have You Meet Miss Jones – Ben Webster & Art Tatum
10. My Favorite Things – John McLaughlin
11. The Sweetest Sounds – Sarah Vaughan
12. The Surrey With The Fringe On Top – Ellis Marsalis
13. Hello Young Lovers – Mel Tormé
14. This Nearly Was Mine – Chick Corea
15. The Lady Is A Tramp – Ella Fitzgerald
16. Do-Re-Mi – Gary Burton
17. It Might As Well Be a Spring – Clifford Brown
18. People Will Say We’re In Love – Cannonball Adderley

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Stéphane Grappelli es una figura esencial del jazz que se generó en Europa para luego tender puentes hacia América. De larguísima carrera, vivió 89 años, de los cuales más de setenta dedicó a la música. Siendo niño, su padre le regaló un violín, con el cual se inició tocando en las calles de París. Si bien luego estudió otros instrumentos, su espíritu se fundió para siempre con el violín.

Las biografías que existen sobre él indican que fue un destacado estudiante en el Conservatorio de París, donde decidió estudiar piano y saxo para ampliar sus conceptos armónicos y tímbricos. Nacido a principios del siglo XX, su obra y su maduración musical evolucionaron a la par de los tiempos que vivió. Comenzó a trabajar profesionalmente desde muy joven, como pianista que acompañaba películas del cine mudo, lo que le permitió convertir las imágenes en sonidos que luego llevaría a un mundo lleno de imágenes… el jazz.

En 1934 conoció al hombre que cambiaria completamente el rumbo de su vida, el gitano  Django Reinhardt, con quien fundó el quinteto “Hot Club de France”, grupo que se formó como un verdadero rito a las cuerdas. Tres guitarras, un violín y un contrabajo era una composición nunca vista hasta entonces en un quinteto jazzero. Este rito a las cuerdas daría mucho de qué hablar, con un estilo fresco y estimulante, que convertiría al jazz manouche en un camino nuevo para el desarrollo del jazz.

La fructífera relación con Django y el Hot Club fue truncada con el inicio de la primera guerra mundial, que explotó mientras el grupo se encontraba de gira en Inglaterra. El peligro obligó a Django a irse a Francia, mientras que Grappelli decidió seguir en Londres. Allí conoció y trabajó con el pianista ciego George Shearing, con quien tuvo varios años de mutua colaboración en diversos escenarios.

Finalizada la guerra, durante varios años su carrera avanzó a media fuerza. Grappelli, sin embargo, que como ser humano gozaba de un encanto y elegancia innatos, como músico tenía un talento excepcional para la improvisación, características fundamentales para ser un maestro del jazz. Ésta fue la clave que dio pie al reconocimiento que comenzó a recibir a partir de fines de la década de los sesenta, cuando finalmente comenzó a ascender. Sobre la improvisación, dijo cierta vez: “La improvisación es un misterio. Se puede escribir un libro al respecto, pero al final nadie sabe lo que es. Cuando improviso y estoy en buena forma, soy como alguien medio dormido. Se me olvida que hay gente delante de mí. Los grandes improvisadores son como sacerdotes, que están pensando sólo en su Dios”.

La vejez nunca se interpuso con su entusiasmo por la vida, que se reflejó hasta el final, en su alegre manera de tocar y pensar: “¡Retiro! No hay una palabra más dolorosa para mis oídos. La música me mantiene con vida. Me ha dado todo. Es mi fuente de la juventud”.

Su calidad humana lo impulsó siempre a compartir, por lo que gran parte de su producción musical está hecha en colaboración con diversidad de músicos,  intérpretes solistas que se sitúan en primera fila junto a su violín, para regalarnos verdaderas obras de arte, en las que el pequeño mimado de la orquesta sinfónica conversa amablemente con pianos, guitarras, vibráfonos, armónicas, saxos y cualquier otro instrumento dispuesto a crear magia, como en los siguientes temas que son parte de esta degustación musical á la carte:

1. Nuages – Stéphane Grappelli y Django Reinhardt
2. I Remember Django – Stéphane Grappelli y Barney Kessel
3. Time After Time – Stéphane Grappelli y Joe Pass
4. Isaura – Stéphane Grappelli y Baden Powell
5. Willow Weep For Me – Stéphane Grappelli y Martin Taylor
6. Star Eyes – Stéphane Grappelli y George Shearing
7. How About You – Stéphane Grappelli y Oscar Peterson
8. I Didn’t Know What Time It Was – Stéphane Grappelli y McCoy Tyner
9. Sweet Georgia Brown – Stéphane Grappelli y Michel Petrucciani
10. C’est Si Bon – Stéphane Grappelli y Michel Legrand
11. Venupelli Blues – Stéphane Grappelli y Joe Vennuti
12. I Don’t Mean a Thing – Grappelli, Smith, Asmusen, Ponty
13. Golden Green – Stéphane Grappelli y Jean Luc Ponty
14. French Resolution – Stéphane Grappelli y L. Subramanian
15. A Foggy Day – Stéphane Grappelli y Yehudi Menuhin
16. Stephane – Stéphane Grappelli y Claude Bolling
17. Have You Meet Miss Jones – Stéphane Grappelli y Phil Woods
18. I Concentrate On You – Stéphane Grappelli y Yo-Yo Ma
19. Georgia On My Mind – Stéphane Grappelli y Toots Thielemans
20. Blue In Green – Stéphane Grappelli y Gary Burton

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Los pianistas han sido, son y serán esenciales en el desarrollo y la evolución del jazz. Algunos con caricias, otros con golpes sobre el marfil y el ébano, unos más concentrados en aspectos técnicos, otros en conceptos armónicos, los más en elementos melódicos y varios en factores rítmicos.  De todos ellos, es indiscutible que Tatum fue el primer gran virtuoso de las ochenta y ocho, Erroll Garner privilegió la melodía y Monk rompió con los conceptos establecidos “tocando bien las notas equivocadas”. Bill volteó las ideas tonales imaginando y aplicando armonías modales, además de inventar el trío en el jazz. Así, hasta llegar a pianistas como Hancock y, más adelante,  como Mehldau, que absorbieron dialécticamente a todos los anteriores para tratar de plantear nuevos conceptos e ideas.

En La Quinta Disminuida escuchamos a todos ellos, entre muchos otros, pero además dedicamos programas íntegros al Opie, al Corea, al Monk, al Petrucce, a los Valdés, al Bill y al Keith. Sin embargo, el jazz tiene otros tres pianistas fundamentales en su historia, que merecen un programa exclusivo. Los tres son norteamericanos, afro-descendientes y relativamente contemporáneos. El primero nació en 1928, el segundo en 1930 y el tercero en 1938; todos viven aún y siguen grabando discos y dando conciertos. En fin, seguramente tienen mucho más en común, pero si algo es cierto es que su música y su talento son cardinales, no solamente para el desarrollo del piano en el jazz, sino para el desarrollo del jazz mismo. Ellos son Horace Silver, Ahmad Jamal y McCoy Tyner.

Escuchen este programa y descubran sus similitudes y diferencias, su vida, sus anécdotas, sus comienzos y su actividad actual.

Horace Silver

Juicy Lucy  – 1959
Song For My Father – 1964
Liberated Brother – 1972
The Soul’s Awareness Of Its Character – 1979
The Lady From Johannesburg – 1996
Where Do I Go From Here? – 1999

Ahmad Jamal

A Gal In Calico – 1958
Dolphin Dance – 1971
Acorn – 1986
The Aftermath – 1992
Where Are You – 2003
It’s Magic – 2008

McCoy Tyner

Sunset – 1962
Rebirth – 1972
La Vida Feliz – 1982
Miss Bea – 1991
Mr. P.C. – 2008

Fotos de Ahmad Jamal y McCoy Tyner de Leo Howard Lubow