La Quinta Disminuida

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Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, un Premio Pulitzer. El otro artista que también tiene un EGOT es el compositor norteamericano Marvin Hamlisch.

Rodgers nació un 28 de junio de 1902 en el seno de una próspera familia judía en Arverne, Queens, Nueva York. La fortuna y posición social de su familia fueron aspectos que facilitaron su ingreso al mundo artístico. Su hermano mayor, que estudiaba leyes en la universidad de Columbia, le ayudó a contactarse con Oscar Greeley Clendenning Hammerstein II, que también estudiaba leyes y con quien escribió un libreto para el Columbia Varsity Show, importante y tradicional evento de esa universidad. Otro estudiante que participaba en el show era Lorenz Hart, con quien crearían la que sería una de las más exitosas parejas de compositores, con Rodgers a cargo de la música y Hart de la letra. Este primer contacto fue el inicio de veinticinco años de una prolífica relación musical, de 1919 a 1943, año en el que el letrista falleció.

En 1927 la introducción del sonido en el cine impulsó la producción de películas musicales, gracias a lo cual varios de los musicales de Rodgers & Hart fueron adaptados como películas. Debido a su éxito, los estudios de cine de Hollywood comenzaron a contratar a los compositores de musicales de Broadway para que escriban música directamente para la pantalla gigante. Por otra parte, la depresión de la década de 1930 dificultó en gran medida el montaje de obras musicales, por lo que a partir de 1930, Rodgers y Hart comenzaron a trabajar regularmente en Hollywood, sin musicales en Broadway durante casi cinco años (1931 – 1935), lo que los impulsó a firmar un contrato con la productora Warner Brothers.

Oscar Hammerstein II, cuya familia incluye un propietario de un teatro, un productor y un empresario de ópera, asistió a la escuela de Derecho de Columbia antes de embarcarse en la carrera de libretista y letrista. Fue un autor tan fecundo que solamente pudo superarlo Irving Berlin, por la cantidad de letras de canciones que escribió. Hammerstein tuvo su primer éxito en Broadway con la opereta Rose Marie (1924) y las obras The desert song (1926) y The new moon (1928).

Su primera colaboración con Richard Rodgers fue en 1943 con la obra Oklahoma, que les hizo ganar un Pulitzer. Este musical les allanó el camino para todo el trabajo que produjeron juntos hasta 1960. En 1945 la película State Fair ganó un Oscar con la canción It Might as Well Be Spring; posteriormente, en 1949, ganaron un segundo Pulitzer con la obra South Pacific.

Entre sus más conocidos e importantes musicales están The King and I (1951), Carrousel (1945), Flower Drum Song (1958) y The Sound of Music (1959). De esta última producción, “My favorite things” es una de las piezas más hermosas jamás compuestas y que John Coltrane inmortalizaría luego en el mundo del jazz.

La primera parte de esta sesión estará integrada por temas de la dupla Rodgers & Hart, mientras que la segunda se dedicará a la fascinante producción de Rodgers & Hammerstein II.

1. My Funny Valentine – Miles Davis  Quintet
2. Blue Moon – Billie Holiday
3. My Romance – McCoy Tyner
4. Where or When – Frank Sinatra & Count Basie
5. Bewitched – Antonio Hart
6. It’s Easy To Remember – Karrin Allyson
7. The Most Beautiful Girl In The World – Sonny Rollins
8. You Are Too Beautiful – John Coltrane & Johnny Hartman
9. Have You Meet Miss Jones – Ben Webster & Art Tatum
10. My Favorite Things – John McLaughlin
11. The Sweetest Sounds – Sarah Vaughan
12. The Surrey With The Fringe On Top – Ellis Marsalis
13. Hello Young Lovers – Mel Tormé
14. This Nearly Was Mine – Chick Corea
15. The Lady Is A Tramp – Ella Fitzgerald
16. Do-Re-Mi – Gary Burton
17. It Might As Well Be a Spring – Clifford Brown
18. People Will Say We’re In Love – Cannonball Adderley

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Sesión de estrenos en La Quinta Disminuida, con dos propuestas diferentes de músicos con una larga trayectoria, ambos bordeando constantemente las fronteras del jazz, rozando lugares que permiten descubrir nuevos colores de la música más democrática de todas.

La primera invitación es para escuchar al saxofonista David Sanborn en un disco que salió  al mercado el 26 de enero pasado. Sanborn nació en 1945 en Tampa, Florida y desde siempre ha estado vinculado al smooth jazz, al soul jazz, al crossover y, en términos generales, al pop-jazz. La última producción del saxofonista presenta una formación de lujo, con Steve Gadd en la batería y Joey DeFrancesco en el órgano Hammond, base rítmica y armónica de la propuesta a la que se suma un cuarteto de vientos conformado por Bob Malach en el saxo tenor, Frank Basile en el saxo barítono, Tony Kadlek en la trompeta y Mike Davis en el trombón bajo. Otra sorpresa del álbum es la participación en los arreglos de Gil Goldstein.

Con este álbum, compuesto por ocho temas de distintos compositores, Sanborn rinde un tributo al saxofonista Hank Crawford y al pianista y cantante Ray Charles. El saxo llegó a las manos de Sanborn de la manera más inusitada. Tenía tan sólo tres años de edad cuando, infortunadamente, contrajo polio. A la edad de 11, el médico recomendó a sus padres que como parte de su rehabilitación David debía tocar algún instrumento de viento. Así, con la receta en mano sus padres compraron un saxo como si se tratase de una prótesis o una muleta. Fue en esas circunstancias que el pequeño David comenzó a tocar este instrumento y lo cierto es que el resultado de la terapia fue sorprendente para todos. Gracias a eso, Sanborn ha producido hasta la fecha más de 20 discos, ha ganado varios premios Grammy y ha tocado con muchísimos otros músicos, aventurándose constantemente a nuevos y muy diversos proyectos.

En la primera parte del programa escucharemos el álbum en su integridad, compuesto por los siguientes temas:

• The Pepper
• Only Everything
• Hard Times
• Let The Good Times Roll
• Baby Won’t you Please Come Home
• You’ve Changed
• Hallelujah, I Love Her So
• Blues In The Night

La segunda propuesta para esta sesión corresponde al último disco del guitarrista inglés John McLaughlin, junto a su banda 4th. Dimension formada por Gary Husband en los teclados, Mark Mondesir en la batería y el camerunés Etienne M’Bappe en el bajo.

Una noche de 2009, durante la gira de la Five Peace Band, liderada por John McLaughlin y Chick Corea, en un momento mágico y en el punto más inspirado del solo de McLaughlin, comenzó a flotar en el aire la melodía del fundamental “A Love Supreme” de John Coltrane. La vibración de esa frase se apoderó de la guitarra de McLaughlin, quien comenzó a tocar la melodía del tema con amor, devoción y entrega. Mientras la banda ralentizaba cerca del final del tema “Raju”, la guitarra continuó vibrando por el impulso que se había apoderado de McLaughlin. Después de la conmoción post-concierto y a solas con él, los músicos le preguntaron cómo lo hizo, a lo que McLaughlin replicó “¿hacer qué?”, querían entender cómo logró encajar un Amor Supremo en un momento en el que parecía imposible y que, además, nadie esperaba. Con todo el respeto que lo caracteriza y consciente de ese pedazo de magia que lo había poseído, caprichosamente dijo: “no lo sé, y no quiero saberlo”.

Así nació “To The One” el último trabajo de John McLaughlin, que podrán disfrutar íntegramente en la segunda parte del programa, con todos los detalles de cada uno de los temas que componen el álbum:

• Discovery
• Special Beings
• The Fine Line
• Lost And Found
• Recovery
• To The One

Alguna vez, ambos compartieron en el estudio de grabación.

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Existe una vieja receta siciliana que consiste en cocinar durante horas, en una olla con aceite, tomates con perejil y ajo. Cuando llega el momento, los tomates se tiran y el resto se mezcla con los fideos. Lo que se echa sobre la pasta es lo que queda en el fondo de la fuente. Los standards, en el jazz son como esos tomates: lo que sirve es lo que queda una vez que se los descarta. No habría jazz sin ellos, pero el jazz es, precisamente, lo que comienza una vez que el standard termina. Es decir: “Night and Day” o “All of You” son esa base imprescindible sobre la que Miles Davis, Gerry Mulligan o Keith Jarrett construirán su obra. Y esa obra –el jazz– será aquello que, a partir de “Night and Day” o “All of You”, ya no es ninguna de esas canciones, sino algo nuevo, propio y posiblemente irrepetible.

¿Qué es lo que hace que grabación tras grabación los músicos se enfrenten siempre a las mismas piezas que han sido tocadas miles de veces y logren que suenen diferentes cada vez? Los grandes maestros del jazz son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente. El segundo quinteto de Miles Davis y el trío de Bill Evans son apenas dos ejemplos de ello. Un standard es un código mágico, una pieza que resiste el paso del tiempo y que permite un diálogo entre músicos que pueden no haberse visto nunca antes y menos aún haber conversado o ensayado para encarar un standard, una melodía que es el punto de inicio para una posterior creación.

Así como un mismo manjar preparado por distintas manos tiene su propio sabor, los standards intepretados por diferentes artistas adquieren cualidades que los distinguen. Cada pieza tiene una receta básica y para cada una intervendrá la sazón propia. En este banquete tendremos por ejemplo la chispa de Armstrong,  la poesía de Evans, el éxtasis de Jarret, el gélido sonido de la trompeta de Chet y los colores vocales de crooners como Sinatra y Bennett. Ellos, junto a varios otros, darán a los temas no solamente su sabor, color y textura personales, sino también su carácter, su estado de ánimo y, finalmente, su forma de vivir y sentir.

Aquí los tienen, disfruten algunos standards de Cole Porter, Victor Young y Hoagy Carmichael:

• Billie Holiday, Django Reinhardt, Stephane Grappelli y Frank Sinatra en Night And Day
• Tony Bennett, Miles Davis y John Coltrane, The Modern Jazz Quartet, Ray Brown en All Of You
• Chet Baker, The Manhattan Project y Chick Corea en Stella By Starlight
• Carmen McRae, Bill Evans y John McLaughlin en My Foolish Heart
• Ella y Louis ,  Parker con la orquesta de Woody Herman, Michael Brecker y James Taylor en The Nearness Of You
• Ray Charles, Wes Montgomery y Charles Lloyd en Georgia On My Mind

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Hace algún tiempo leí una revista española que publicó un especial dedicado a los mejores músicos y discos editados en la década transcurrida desde 1990 a 2000. De los 10 mejores músicos de jazz contemporáneo seleccionados, tan sólo uno era europeo y el resto, lógicamente, norteamericanos, esta es una realidad que no podemos olvidar. Pero también en nuestras sesiones hemos hecho hincapié en que el jazz es una música de mezclas, es la música que ha permitido que Europa y África se den la mano y lo hagan en América. El  jazz es una música con una personalidad propia, pero que tiene entre sus principales características, ritmos africanos y armonías europeas. En esta sesión, nuestra primera parada geográfica será lógicamente en Francia, centro neurálgico y piedra angular del jazz en Europa.

Durante muchos años, en el primer tercio del siglo pasado, hubo un músico que destacó sobre todos los demás, un guitarrista que fue considerado como el mejor guitarrista de jazz del mundo, el belga  Django Reinhardt, quien con su quinteto Hot Club de France, junto al  violinista  Stèphane Grapelli, imprimió un carácter singular al jazz en Europa.En la sesión de hoy viajaremos por Alemania, Polonia, Suecia, Noruega, España, Portugal, Italia, Austria, Dinamarca e Inglaterra escuchando a los embajadores europeos del jazz, y es que una de las principales características que dio origen al nuevo jazz europeo fue que los músicos debieron recurrir a innovaciones significativas basadas en cada una de sus culturas de origen, aportando su propia visión que influyera en el propio vocabulario del jazz, para convertir su estilo en una propuesta personal e individual. Es en este elemento innovador donde se encuentra el punto de inflexión que dará lugar a lo que puede entenderse hoy en día como jazz hecho en Europa. Un lenguaje y un vocabulario musical heredado, pero con claras aportaciones culturales propias del país desde el que se elabora.

Si el jazz se creó en su momento gracias a un cóctel que contenía música europea y elementos africanos, que dieron origen a lo que en su momento se conocía como jazz en Nueva Orleáns, a partir de la década de los cincuenta, a Europa no le queda más remedio que dar un golpe de mano y dejar su huella en una música que se extendía como la pólvora por todos los rincones del continente, gracias a la presencia -sobre todo en Francia y en los países escandinavos- de grandes maestros del jazz norteamericano huidos de su país en busca de mayor comprensión y respeto.

Los temas propuestos en esta sesión son los siguientes:

1. J’attendrai – Hot Club de France
2. Nuages – Django Reinhart
3. Smoke Gets in Your Eyes – Stephane Grappelli
4. Sam Buca’s Blues – Lockwood/Caron/Ecay
5. Luck Be a Lady – Bireli Lagrene
6. Fly away – Barbara Dennerlein
7. Virgin Green of Spring – Albert Mangelsdorf
8. Skama Abym – Ana Maria Jopek
9. Kidogo – Jonas Hellborg
10. Mission: To be Where I Am – Jan Garbarek Group
11. Retaila – Chano Dominguez
12. San Juan – Carles Benavent/Jorge Pardo
13. Paredes que nos Rodeiam    – The Mario Languinha Trio
14. Alone Together – Enrico Pieranunzi/Philippe Caherine/
15. Mighty Theme/Badia – Joe Zawinul
16. Guilty, your Honour – Niels-Henning Orsted Pedersen
17. Brise de Coeur   John – John McLaughlin y Katia Labeque

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A finales de los años sesenta, el jazz necesitaba encontrar nuevas sendas creativas después de la prematura muerte de John Coltrane y el punto sin retorno alcanzado por el Free Jazz. Es cuando el Príncipe de la oscuridad comenzó la preparación de la Poción de Brujas, convocando para la preparación de la receta a los más jóvenes alquimistas de la época.

Entre algunos de los discípulos elegidos estaban, Joe Zawinul, Chick Corea, John McLaughlin, Herbie Hancock, Wayne Shorter,  Dave Holland y Miroslav Vitous. Todos ellos dominaban su arte  pasando los dedos por cuerdas, teclas y llaves mágicas.

Listo el brebaje, filas de sedientos melómanos llenaron las disqueras para adquirir su poción. El mundo del Jazz se escandalizó, el héroe de Miles había cometido una herejía. A raíz de tanta blasfemia, el Príncipe de la Oscuridad reunió a sus jóvenes discípulos y les dijo “Difundid este mensaje por todo el mundo, el Jazz no debe morir ni convertirse en una pieza de museo como la música clásica europea”.

Los alquimistas conscientes del mensaje, retornaron a sus laboratorios para preparar las transmutaciones con que divulgarían su prédica. Joe creó el Reporte del Tiempo, Herbie formó un equipo de Cazadores de cabezas John meditó con su Mahavishnu y el más joven de ellos Chick… Retornó a lo Perpétuo.

En esta mágica sesión escucharemos los albores del trabajo de estos discípulos de Miles y veremos cómo algunos de ellos asumieron el compromiso de las enseñanzas de Miles hasta la actualidad.

Los temas que puedes escuchar en el programa son los siguientes:

1. Montezuma – Wayne Shorter – 1970
2. Purple – Miroslav Vitous – 1970
3. Conference Of The Birds – Dave Holland – 1972
4. Cannon Ball – Weather Report – 1976
5. Orient Express – Joe Zawinul – 1996
6. East 12th Street Band – Joe Zawinul – 2005
7. Meeting Of The Spirits – Mahavishnu Orchestra – 1971
8. Baba – John McLaughlin Trio – 1991
9. Inside Out – John McLaughlin – 2008
10. Song To The Pharaoh Kings – Return To Forever – 1974
11. Make A Wish Part II – Chick Corea Elektric Band – 1990
12. El Stephen – Chick Corea – 2006
13. Watermelon Man – Herbie Hancock – 1973
14. PP Head – The Headhunters – 1998
15. Edith and The Kingpin – Herbie Hancock – 2007