La Quinta Disminuida

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Richard Charles Rodgers es uno de los dos compositores que ha ganado un premio Emmy, un Grammy, un Oscar y un Tony; es por eso que se lo conoce como un artista premiado con un EGOT, palabra que se forma con las iniciales de los mencionados premios. Como si eso fuera poco, tiene en su haber, además, un Premio Pulitzer. El otro artista que también tiene un EGOT es el compositor norteamericano Marvin Hamlisch.

Rodgers nació un 28 de junio de 1902 en el seno de una próspera familia judía en Arverne, Queens, Nueva York. La fortuna y posición social de su familia fueron aspectos que facilitaron su ingreso al mundo artístico. Su hermano mayor, que estudiaba leyes en la universidad de Columbia, le ayudó a contactarse con Oscar Greeley Clendenning Hammerstein II, que también estudiaba leyes y con quien escribió un libreto para el Columbia Varsity Show, importante y tradicional evento de esa universidad. Otro estudiante que participaba en el show era Lorenz Hart, con quien crearían la que sería una de las más exitosas parejas de compositores, con Rodgers a cargo de la música y Hart de la letra. Este primer contacto fue el inicio de veinticinco años de una prolífica relación musical, de 1919 a 1943, año en el que el letrista falleció.

En 1927 la introducción del sonido en el cine impulsó la producción de películas musicales, gracias a lo cual varios de los musicales de Rodgers & Hart fueron adaptados como películas. Debido a su éxito, los estudios de cine de Hollywood comenzaron a contratar a los compositores de musicales de Broadway para que escriban música directamente para la pantalla gigante. Por otra parte, la depresión de la década de 1930 dificultó en gran medida el montaje de obras musicales, por lo que a partir de 1930, Rodgers y Hart comenzaron a trabajar regularmente en Hollywood, sin musicales en Broadway durante casi cinco años (1931 – 1935), lo que los impulsó a firmar un contrato con la productora Warner Brothers.

Oscar Hammerstein II, cuya familia incluye un propietario de un teatro, un productor y un empresario de ópera, asistió a la escuela de Derecho de Columbia antes de embarcarse en la carrera de libretista y letrista. Fue un autor tan fecundo que solamente pudo superarlo Irving Berlin, por la cantidad de letras de canciones que escribió. Hammerstein tuvo su primer éxito en Broadway con la opereta Rose Marie (1924) y las obras The desert song (1926) y The new moon (1928).

Su primera colaboración con Richard Rodgers fue en 1943 con la obra Oklahoma, que les hizo ganar un Pulitzer. Este musical les allanó el camino para todo el trabajo que produjeron juntos hasta 1960. En 1945 la película State Fair ganó un Oscar con la canción It Might as Well Be Spring; posteriormente, en 1949, ganaron un segundo Pulitzer con la obra South Pacific.

Entre sus más conocidos e importantes musicales están The King and I (1951), Carrousel (1945), Flower Drum Song (1958) y The Sound of Music (1959). De esta última producción, “My favorite things” es una de las piezas más hermosas jamás compuestas y que John Coltrane inmortalizaría luego en el mundo del jazz.

La primera parte de esta sesión estará integrada por temas de la dupla Rodgers & Hart, mientras que la segunda se dedicará a la fascinante producción de Rodgers & Hammerstein II.

1. My Funny Valentine – Miles Davis  Quintet
2. Blue Moon – Billie Holiday
3. My Romance – McCoy Tyner
4. Where or When – Frank Sinatra & Count Basie
5. Bewitched – Antonio Hart
6. It’s Easy To Remember – Karrin Allyson
7. The Most Beautiful Girl In The World – Sonny Rollins
8. You Are Too Beautiful – John Coltrane & Johnny Hartman
9. Have You Meet Miss Jones – Ben Webster & Art Tatum
10. My Favorite Things – John McLaughlin
11. The Sweetest Sounds – Sarah Vaughan
12. The Surrey With The Fringe On Top – Ellis Marsalis
13. Hello Young Lovers – Mel Tormé
14. This Nearly Was Mine – Chick Corea
15. The Lady Is A Tramp – Ella Fitzgerald
16. Do-Re-Mi – Gary Burton
17. It Might As Well Be a Spring – Clifford Brown
18. People Will Say We’re In Love – Cannonball Adderley

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“Sé que voy a morir un día, pero también sé que la música sobrevivirá” dijo Antonio Carlos Jobim, poco antes de su muerte. El 8 de diciembre de 1994 un infarto fulminante terminaría con la vida del George Gershwin brasileño, una vida alumbrada por las verdades sencillas que acumuló a lo largo de su caminar.

Dedicó sus últimos años a luchar por la defensa de la naturaleza y la integridad de su país: “Destruir la naturaleza y oprimir a la mujer son una constante en la vida de los hombres. El país que me inspiró ya no existe, tenía paz, amor, chicas lindas y ahora, en cambio, se preocupa por tener la bomba atómica” El sofisticado autor de la compleja simplicidad de La Garota de Ipanema se convirtió en un filósofo profundo, sin perder sencillez. “La vida es buena, es el hombre el que acaba por complicarla”.

Sin duda, su música sobrevivió y lo hizo más allá de sus fronteras, convirtiéndose en una influencia fundamental para cualquier músico.

En la primera parte del programa homenajeamos al maestro a través de interpretaciones de sus composiciones a cargo de músicos vinculados al mundo del jazz; en la segunda parte continuamos con el legado de la música del Brasil, con composiciones de músicos de una generación posterior a la de Tom, como Milton, Caetano, Djavan y otros.

1. Desafinado – Chick Corea/Eddie Gomez/Airto Moreira
2. Triste – Joe Henderson
3. No More Blues – Ron Carter
4. Photograph – Ella Fitzgerald
5. Double Rainbow – Sarah Vaughan
6. The Girl From Ipanema – Nat King Cole
7. How Insensitive – Tony Bennett
8. Meditation – Joe Pass
9. Wave – Joanne Brackeen
10. One Note Samba – The Modern Jazz Quartet
11. Quiet Nights of Quiet Stars – Oscar Peterson
12. Outubro – Paul Desmond
13. The Island – Billy Childs
14. Upside Down – Cal Tjader & Carmen McRae
15. Dom De Iludir – Stefano Bollani
16. Flora – Joanne Brackeen
17. Loro – Esperanza Spalding
18. O Que Sera – Brad Mehldau

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¿Qué tienen en común George Benson y Ella Fitzgerald? ¿Antonio Carlos Jobim y Frank Sinatra? ¿Se podría llegar más lejos que Roberta Flack con Killing Me Softly?

En el jazz, cuya mayor particularidad (¿virtud quizá?) es la irreverencia hacia los esquemas preestablecidos ¿qué pesa más a la hora de valorar la interpretación de un cantante? ¿El rango vocal, el registro, el color de voz? o, por otros rumbos, ¿se aprecia más la capacidad de improvisación, la pericia con el uso del scat o una sola frase que estremezca el alma? O más allá, incluso, ¿la atmósfera que puede ser creada por quien canta, su capacidad de adaptación a la emotividad del tema?

¿Quién canta mejor, alguien como Billie Holiday, sin ninguna escuela y con una vida cubierta por todos los tipos de heridas posibles, o alguien como Rachelle Ferrell, que recibió la gracia del talento y una sólida formación académica? ¿Un cantante nace o se hace?  ¿Preferimos a Chet Baker como trompetista o como cantante?

Ciertamente, los aspectos que pueden ser tomados en cuenta, para aquellos que gustan de calificar son muchos, de diversa índole y pueden ir desde lo simple hasta lo sofisticado.

También, habrá quien considere que una buena interpretación vocal llega a ser tal cuando logra tocar ciertas fibras, íntimas e invisibles, en quien la escucha, cuando la voz se apropia de la pieza de un modo que sencilla y llanamente, emociona, y donde el dominio de la técnica o el rigor académico, pueden, incluso, desvanecerse.

Sin embargo, ninguna de estas preguntas espera respuesta. Estos apuntes al azar son sólo un pretexto para que hoy me acompañen a dar un giro en La Quinta. Saldremos de nuestras habituales sesiones, normalmente cargadas del jazz instrumental, para sumergirnos en un mar de voces, pero, con un detalle adicional, hoy vamos a paladear  el mismo sabor con un condimento diferente… por ellas y por ellos.

• Waltz For Debbie Eliane Elias – Al Jarreau
• Too Young To Go Steady Karryn Allyson – Kurt Elling
• Summertime Joni Mitchell – George Benson – Ella Fitzgerald y Louis Armstrong
• When In Rome Blossom Dearie – Tony Bennett
• Killing Me Softly Lalah Hattaway – Nils Landgren
• Aguas de Marzo Tom Jobim – Bebel Gilberto – Joao Gilberto y Miucha
• What Is This Thing Called Love Patricia Barber – Bobby McFerrin
• You Don’t Know What Love Is Rachelle Ferrell – Chet Baker
• Poor Butterfly Carmen McRae – Frank Sinatra
• A Felicidade Vinicius, Creuza y Toquinho

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Existe una vieja receta siciliana que consiste en cocinar durante horas, en una olla con aceite, tomates con perejil y ajo. Cuando llega el momento, los tomates se tiran y el resto se mezcla con los fideos. Lo que se echa sobre la pasta es lo que queda en el fondo de la fuente. Los standards, en el jazz son como esos tomates: lo que sirve es lo que queda una vez que se los descarta. No habría jazz sin ellos, pero el jazz es, precisamente, lo que comienza una vez que el standard termina. Es decir: “Night and Day” o “All of You” son esa base imprescindible sobre la que Miles Davis, Gerry Mulligan o Keith Jarrett construirán su obra. Y esa obra –el jazz– será aquello que, a partir de “Night and Day” o “All of You”, ya no es ninguna de esas canciones, sino algo nuevo, propio y posiblemente irrepetible.

¿Qué es lo que hace que grabación tras grabación los músicos se enfrenten siempre a las mismas piezas que han sido tocadas miles de veces y logren que suenen diferentes cada vez? Los grandes maestros del jazz son capaces de reinterpretar un standard con sus cambios y acordes originales y, al mismo tiempo, hacerlo cada vez de forma diferente. El segundo quinteto de Miles Davis y el trío de Bill Evans son apenas dos ejemplos de ello. Un standard es un código mágico, una pieza que resiste el paso del tiempo y que permite un diálogo entre músicos que pueden no haberse visto nunca antes y menos aún haber conversado o ensayado para encarar un standard, una melodía que es el punto de inicio para una posterior creación.

Así como un mismo manjar preparado por distintas manos tiene su propio sabor, los standards intepretados por diferentes artistas adquieren cualidades que los distinguen. Cada pieza tiene una receta básica y para cada una intervendrá la sazón propia. En este banquete tendremos por ejemplo la chispa de Armstrong,  la poesía de Evans, el éxtasis de Jarret, el gélido sonido de la trompeta de Chet y los colores vocales de crooners como Sinatra y Bennett. Ellos, junto a varios otros, darán a los temas no solamente su sabor, color y textura personales, sino también su carácter, su estado de ánimo y, finalmente, su forma de vivir y sentir.

Aquí los tienen, disfruten algunos standards de Cole Porter, Victor Young y Hoagy Carmichael:

• Billie Holiday, Django Reinhardt, Stephane Grappelli y Frank Sinatra en Night And Day
• Tony Bennett, Miles Davis y John Coltrane, The Modern Jazz Quartet, Ray Brown en All Of You
• Chet Baker, The Manhattan Project y Chick Corea en Stella By Starlight
• Carmen McRae, Bill Evans y John McLaughlin en My Foolish Heart
• Ella y Louis ,  Parker con la orquesta de Woody Herman, Michael Brecker y James Taylor en The Nearness Of You
• Ray Charles, Wes Montgomery y Charles Lloyd en Georgia On My Mind